silviapotter

Auguri di Natale: ditelo con un fiore

2011-12-18T11:32:00.001+01:00

Quando ho iniziato a lavorare il vetro a lume snobbavo i fiori in favore di motivi più geometrici e rigorosi. Guarda caso lo stesso è successo con i cuori, che fino a poco tempo fa mi facevano orrore. Senza dubbio l'età che avanza, ma anche la mia - modestamente - aumentata perizia al cannello mi hanno fatto ricredere. Quando valuto un oggetto d'artigianato non riesco a non interrogarmi sul modo in cui è stato costruito, e questo vuol dire che a un certo punto i fiori hanno smesso di essere un motivo eccessivamente femminile e po' kitsch per diventare una sfida sul piano tecnico. Come cavolo si fa a creare l'illusione della profondità nel vetro, come si fa a creare fiori tridimensionali verosimili sospesi in uno strato di vetro appena disturbato dalle bollicine?

Ovviamente, ho iniziato a provare, ed ecco i risultati delle mie sperimentazioni da autodidatta. Si tratta di alternare colori trasparenti e opachi a strati di vetro incolore, ma detto così suona un po' troppo facile. Serve una buona dose di controllo della quantità di calore, perché il fattore chiave qui è riuscire a fondere lo strato superficiale trasparente fino ad arrotondarlo senza far muovere i fiori sottostanti, che altrimenti verrebbero deformati o sbavati.

Ad ogni buon conto ho deciso di approfondire questa tecnica ulteriormente con un interessantissimo tutorial di Corina Tettinger il "Daffodil Bead Tutorial" ovvero come intrappolare i narcisi nel vetro.

Quindi questa volta lo dico con un fiore, anzi con più di uno: BUONE FESTE!!!

L'ultima ossessione, gli anelli in vetro

2011-11-26T16:39:00.000+01:00

Come chi mi segue su facebook avrà avuto modo di vedere, da qualche tempo mi cimento nella costruzione di anelli in vetro. Sottolineo la parola costruzione, perché la procedura per fare gli anelli si discosta parecchio della classica maniera di fare le perle a lume. Si sa che le variabili da controllare quando si lavora il vetro incandescente con la fiamma di un cannello sono principalmente due, temperatura e gravità, e che controllando queste il vetro caldo tende spontaneamente alla rotondità. Ora invece per fare gli anelli su un ago di grosso diametro (in realtà un cilindretto metallico in fondo a un ago grosso) queste regole vengono infrante perché, dopo aver fatto la base dell'anello non si cerca la rotondità, si cerca invece di costruire una superficie ovale regolare che possa ospitare la decorazione. Questo effetto si ottiene posizionando gocce di vetro e spostandole poi con qualche attrezzo fino a trovare la forma desiderata. Molto più semplice a dirsi che a farsi.

Una volta costruita la tavolozza il trucco sta nell'applicare la decorazione senza far raffreddare né riscaldare bruscamente tutto l'anello. Spesso quando ci si dilunga troppo si finisce col sentire un piccolo "crack", l'indizio di una frattura che va sanata immediatamente per quanto possibile, scaldando il punto fino a fonderlo completamente.

Il più delle volte però non vale la pena di continuare a questo punto, perché non sempre la frattura guarisce fino in fondo e perché l'anello a quel punto si deforma irreversibilmente. Almeno io a quel punto preferisco buttare via il tentativo. Magari altri sanno come rimediare, ma qui io sono purtroppo completamente autodidatta e questo problema non l'ho risolto. Corina Tettinger fa degli anelli bellissimi ed ha annunciato un tutorial che ancora non ha visto la luce. Fino ad allora, non mi resta che continuare a fare tentativi.

L'ago su cui viene colato il vetro ha un'importanza notevole. Ce ne sono di due tipi diversi: massicci e cavi. Quelli massicci sono più pesanti e faticosi da usare, e proprio perché sono pesanti sono solitamente più corti di quelli cavi, che consentono invece di fare anelli più grandi e importanti. Quelli cavi sono quelli venduti negli UK da Tuffnell e sono i miei preferiti.

Mi sarebbe piaciuto molto favi vedere qualche anello indossato ma purtroppo, si sa, le ceramiste non hanno mani da modella.

Le tazze a tre piedi modello Pierantozzi

2011-11-21T10:38:00.000+01:00

Ovvero cosa succede quando ci si prova a seguire le istruzioni del DVD "What if? Explorations with Texture and Soft Slabs" di Sandi Pierantozzi. Ogni anno all'appuntamento di Scomigo cerco di presentare qualcosa di nuovo. L'anno scorso avevo costruito delle scatole texturate in refrattario. Quest'anno - non avendo avuto altre idee brillanti - ho deciso di provare a costruire delle tazze con il metodo di Sandi Pierantozzi di cui ho già riferito. Ho portato della terra rossa piuttosto umida, una serie di timbri a rullo da me creati e un paio di rettangoli di cartoncino da usare come dime per le lastre e ho cercato di costruire delle tazze.

Modello Giuditta n.1
Il primo tentativo è stato piuttosto deludente. Prevedendo di dover espandere il volume dall'interno ho usato uno spessore di lastra eccessivo (8mm) e il tazzone è diventato pesantissimo e troppo grande. Il manico poi, rullato e inciso è decisamente eccessivo. Una tazza per pesi massimi.

Modello Giuditta n. 2
Già più proporzionata. Ho usato lastra meno lunga e di spessore ridotto, cioè un diametro minore, ma il manico è ancora eccessivo.

Modello Giuditta n 3
Più piccola, ma proprio con il manico non ci siamo. Soprattutto quando provo ad attaccarlo non in corrispondenza del piede ma tra due piedi, cosa che comporta un equilibrio precario e un problema statico. La tazza tende a sbandare per il peso del manico, che si appoggia ed evita che cada del tutto, ma immaginate che fine farebbe il liquido contenuto nella sbandata... Bocciata.

Modello Giuditta n 4
Non male come forma, anche se un po' storta.
I manici rullati di Sandi non vanno bene per me.
Poi però mi viene in mente che questi manici sono presentati come una scorciatoia per chi non li sa fare tirati. Considerando che io ci ho impiegato anni a imparare a fare i manici tirati, mi è sembrato il caso di tentare a incrociare le due tecniche. Quindi, questo l'ho tirato, poi arricciato e attaccato... tra due piedi... Anche questo perciò è ribaltabile, staticamente controverso.

Modello Giuditta n 5: punto di arrivo
Ecco che quindi arriviamo alla soluzione del problema, per approssimazioni successive (o come rende meglio in inglese "by trial and error").
Manico tirato e modificato, attaccato alla base del piede, dove però va modellato per accompagnare la forma.
Soddisfatta del risultato al punto tentare la possibilità di riprodurne un'altra uguale. Risultato: una coppia di tazze da caffè.

Morale della favola
Quando si implementano le tecniche altrui non è sempre una passeggiata. Data la quantità di variabili in gioco - tipo di terra, spessore della lastra, profondità del disegno in rilievo e conseguente possibilità di espandere dall'interno, forma e attacco del manico - anche le tecniche che sembrano più ovvie possono presentare delle complessità. E poi è sempre così quando l'insegnante è così bravo da fare sembrare tutto semplice. E' al momento di mettere in pratica gli insegnamenti che saltano fuori le difficoltà.
La strada indicata da Sandi non è proprio congegnale per me, ma ci ricavo comunque un paio di spunti da utilizzare a modo mio: 1. la possibilità di costruire volumi con forme magari non ricavate a lastra ma a tornio 2. La possibilità di modificare i volumi dall'interno per non intaccare il disegno della superficie. 3. Più in generale, la possibilità di prendere spunto da tecniche non necessariamente affini alla mia produzione, spostandole in ambiti diversi. Non è poi questa la differenza tra copiare e interpretare??

What if? La costruzione a mano di Sandi Pierantozzi

2011-11-05T17:46:00.001+01:00

What if? Explorations with Texture and Soft Slabs è il titolo del DVD, per la verità un cofanetto di due DVD, di Sandi Pierantozzi. Conoscevo già l'estroso lavoro di Sandi, presentato in una quantità di testi sacri della ceramica, specialmente in quelli specializzati nella lavorazione manuale, ovvero "Handbuilding".

Ossessionata dal tornio come sono, mi aveva molto incuriosito l'entusiasmo per Sandi dei ceramisti conosciuti due anni fa a San Diego, California. Alcuni di loro di fatto avevano messo da parte il tornio per sperimentare con le lastre, dopo aver seguito un seminario tenuto da lei presso la Clay Artists of San Diego. Sandi lavora con l'argilla allo stadio morbido, imprimendo forme con stampi di recupero, stampi commerciali ed altri autocostruiti.

Di stampi commerciali ce ne sono in grande quantità, ma tutto sommato sono poco interessanti, non mi piace l'idea di ritrovare i motivi della mia ceramica nel lavoro altrui. Quelli di recupero sono reti, corde, tappetini, cartoncini in rilievo e qualsiasi cosa imprima una traccia sufficientemente definita , con l'accorgimento - quando si usano stampi in plastica - di cospargere la superficie della lastra con dell'amido di mais perché non ci si incollino. A me però interessano molto di più gli stampi autocostruiti perché possono personalizzare ulteriormente l'oggetto fatto a mano, ma questo capitolo ha bisogno di uno sviluppo troppo complesso per questo post: ne riferirò in altra occasione.

A partire dalla lastra morbida impressa Sandi costruisce volumi, cilindri e coni prevalentemente con l'aiuto di modelli in cartoncino che si ricavano con semplicità. Questi volumi vengono poi deformati ed espansi dall'interno per ottenere forme più belle senza sbavare il rilievo. Questi volumi di base possono essere poi combinati per ricavare oggetti complessi, vasi, teiere, ciotole.
Il percorso con cui Sandi accompagna l'allievo alla scoperta del suo metodo è estremamente comprensibile (ovviamente per chi capisce l'inglese) e lungo la strada vengono condivisi molti piccoli segreti del mestiere, come quello dell'amido di mais di cui sopra per esempio.
Ad ogni passo Sandi opera delle scelte di gusto e di metodo, sempre sottolineando che vale la pena di chiedersi "What if???": Cosa succederebbe se si decidesse di fare diversamente? Non c'è un modo giusto e un modo sbagliato di fare le cose, purché funzioni.
Le opere di Sandi in bassa temperatura sono buffe e a momenti barocche, e rivelano chiaramente quanto lei ci si diverta a crearle. Un altro motivo per cui Sandi Pierantozzi mi sta simpatica: anche lei fa le perle a lume!!!!!!!!!!

Autunno alle porte, con un bonus tecnologico

2011-09-29T10:58:00.000+02:00

La mia vite canadese inizia seriamente a rosseggiare, calzini e magliette della salute a breve ricominceranno a riempire la mia lavatrice. Autunneggia, e da queste parti in "montagna" è impossibile ignorare il ritmo delle stagioni. Non mi lamento, un luminoso e calduccio settembre ci ha ampiamente ricompensati dell'estate parzialmente mancata. Fatto stà che è di nuovo ottobre e ancora una volta - bontà loro - i Piccoli Ceramisti mi hanno invitata a giocare pubblicamente con l'argilla in quel piacevolissimo borgo trevigiano di Scomigo nell'ambito della manifestazione "Laboratorio di Ceramica nel Borgo". Una domenica mattina da trascorrere tra "colleghi" giunti da ogni dove, e un pomeriggio di dimostrazione in cui io mi guarderò bene dal competere con gli straordinari e forzuti tornianti che ogni anno vi partecipano. Gioco forza, quindi, la mia dimostrazione non riguarderà il lavoro a tornio, croce e delizia della mia produzione principale, ma la lavorazione manuale a lastra. Quest'anno non farò oggetti quadrati, scatole e dintorni, come l'anno scorso, ma recipienti, tazze, forse anche brocche, "texturati" e modificati, prendendo spunto dal lavoro di Sandi Pierantozzi. In questo modo finalmente metterò in pratica alcune delle tecniche imparate dal suo "Explorations with Texture and Soft Slabs", e sarò prossimamente in grado di farvene una recensione illustrata. Come si dice, due piccioni con una fava.

A questo proposito mi è venuto in mente di rivelare pubblicamente un segreto di Pulcinella che ha sorpreso alcuni spettatori alla manifestazione dell'anno scorso. In quell'occasione, come ho accennato, ho costruito delle scatole rettangolari stampando disegni con oggetti e timbri, e servendomi di un attrezzo per tagliare gli angoli delle lastre a 45°, in modo da avere angoli perfetti. Ecco a voi questo gioiello della tecnologia.

Un filo metallico posizionato ad angolo, che trascinato a contatto con la lastra, incide e rimuove uno spigolo lasciando un angolo perfetto.

Ora, per procurarvi questo marchingegno avete due alternative:
1. ordinarlo online in qualche negozio specializzato per la modica cifra di 12 dollari (18 se dotato all'altra estremità di aghi/chiodini per graffiare l'argilla al momento del collegamento dei pezzi)
2. procurarvi un legnetto o spezzoncino di tavoletta, rimuoverne un quadratino con un seghetto e attaccarvi un pezzo di corda metallica da chitarra/filo sottile di metallo tramite due chiodini o puntine da disegno.
Per ottenere angoli diversi da 45° basta tagliare via un rettangolo anziché un quadrato. Calcolatevi da soli il risultato.

Se poi volete il modello "deluxe cut-and-score", piantate sul lato opposto 4 chiodini e tagliategliene le teste con una tenaglia.
Il modo d'uso è immediato. Basta appoggiare lo strumento sulla superficie di lavoro a ridosso della lastra e trascinare senza sollevare dal tavolo

Adoro la tecnologia.
Buon lavoro e buone lastre, e se siete dalle parti di Treviso non vi perdete la manifestazione di domenica!!! Io porterò una selezione di ceramiche d'uso, un po' di bijoux, e molta voglia di giocare con l'argilla.

Il ritorno del guerriero (stanco)

2011-09-19T12:00:00.001+02:00

Quest'estate ho scoperto l'acqua calda: si fa fatica a essere creativi quando si è stanchi. E se ci si ostina a fare nonostante la carenza di idee (ispirazione?) si finisce mortificati dalla propria mancanza di creatività, e ovviamente, ancora più stanchi. Questo meccanismo innesca poi un circolo vizioso per interrompere il quale è indispensabile fare una sola cosa: fermarsi. Solo smettendo di fare si dà la possibilità ai neuroni di purificarsi nell'ozio. Ora, come ben sanno quelli che mi conoscono di persona, io di ozio non me ne intendo molto. Per di più essendo un'iperattiva maniaca del controllo per me non è per niente semplice smettere
In termini concreti, quest'estate ho prodotto poche cose in ceramica degne di essere conservate, ed eccole qui.

Un'idea interessante è questo condominio per piante grasse che ho copiato da una casa di Capoliveri. Un pannello con delle tasche da riempire di terra in cui mettere piantine molto resistenti e caparbie, che si accontentano di poco. L'originale visto all'Elba era fatto in cemento e coppi. Io l'ho adattato alle dimensioni del mio forno e alla terra che volevo usare (un pacco di terra di Impruneta che dovevo finire). L'ho decorato premendo lime, cacciaviti e attrezzi vari che normalmente si trovano sul mio banco da lavoro (perche in realtà è il banco da falegname di mio padre) e poi l'ho pennellato con del rame rosso. Il risultato è piacevole, ma sarà sicuramente meglio quando le piantine ne avranno preso possesso.

Consuntivi e meritate ferie

2011-07-05T23:46:00.000+02:00

Recentemente ho deciso di prendermi una pausa dall'artigianato. Mi sono ripromessa di sospendere completamente i giochi con l'argilla e il vetro per tutto il mese di luglio. Troppe corse per approntare le ceramiche, e l'insoddisfazione di non riuscire prendermi il tempo necessario per pensare le cose fino in fondo. La mia ricerca e il mio aprendistato in materia di ceramica e vetro procedono per approssimazioni successive, ossia sbagliando e correggendo il tiro. Se non c'è il tempo per metabolizzare i risultati, individuare i problemi e trovare le soluzioni, la ricerca non avanza. Per di più la mia ceramica ha tempi piuttosto lunghi, tra la foggiatura e le due cotture possono passare anche dei mesi, e bisogna stare concentrati per non perdere il filo del discorso. Ho già delle idee da sviluppare, ma per il momento voglio lasciare che germoglino da sole, possibilmente mentre mi arrostisco su qualche spiaggia.

La mostra dell'artigianato Città di Feltre è andata bene. Per la prima volta ho intrattenuto il pubblico con la dimostrazione della lavorazione a lume delle perle e nel frattempo ci ho anche intrattenuto me stessa.

Non essendo portata per gli aspetti commerciali dell'impresa, gli anni scorsi mi ero annoiata al punto da tirar fuori la chitarra e mettermi a strimpellare per la disperazione. Ovviamente la fiamma e il vetro incandescente hanno catalizzato l'attenzione dei passanti: ho tenuto un mini corso, ho stregato più di un bambino e inoltre ho prodotto una significativa quantità di perle sulle quali potrò meditare durante le ferie.

I carciofi sono in fiore / Artichokes in bloom

2011-06-23T21:36:00.000+02:00

La fine di giugno si avvicina pericolosamente e ormai siamo a ridosso del grande evento annuale, la Mostra dell'artigianato artistico Città di Feltre, che aprirà i battenti giovedì 30 giugno e si protrarrà per tutto il fine settimana.

Quest'anno non sono molto tranquilla. Troppe cose che si accavallano, vicende lavorative complicate e poco tempo, anche perché quest'anno ho giocato molto con il vetro e questo sarebbe già di per sé un'altra arte, che per il momento non mi va di mettere da parte. Dalle mie parti (a Buenos Aires) si dice "el que mucho abarca poco aprieta", chi vuole prendere troppo stringe poco, ed è proprio così che mi sento. Ho fatto troppe cose, speriamo di essere all'altezza.

Ad ogni modo, per coloro che sono curiosi di vedere che fine hanno fatto i miei carciofi, ecco qualche foto. In realtà sono tre scodelle rosse e due gialle, che possono essere abbinate in modi diversi. Carciofi in fiore fuori stagione...

Siete tutti invitati alla Mostra, ci saranno le mie ceramiche a bassa temperatura (carciofi compresi), alcuni nuovi pezzi Raku, e ci sarò io con il mio bobcat (il cannello), per far vedere come si fanno le perle a lume.
Sarò come al solito, in Piazza Maggiore. Se avete occasione di passare, e vi vedrò con piacere.

L'artigianato e le pratiche "green" /One man's rubbish is another man's treasure

2011-06-15T21:51:00.000+02:00

Se la figura dell'artigiano è un totale anacronismo nella società dei consumi, le pratiche legate al buon vecchio artigianato e al rispetto dei materiali assumono paradossalmente grande attualità in un mondo che finalmente ha preso coscienza del fatto che le risorse non sono illimitate. Se poi alla vocazione per l'artigianato si aggiunge una discendenza da stirpi di montanari che hanno conosciuto fame, guerre e carestie, e da una famiglia di emigranti "con la valigia di cartone", non ci si deve stupire se ogni volta che vado all'ecocentro per disporre correttamente dei materiali, ritorno con oggetti dismessi per i quali intravvedo una nuova vita. Tale è il caso del tavolino del mio salotto, apparentemente ottone stampato (ma chi lo può dire), riabilitato con un vetro fumée recuperato dallo stesso fornitore.

In laboratorio d'altronde sono innumerevoli le buone pratiche che non solo evitano lo sperpero di materie prime, ma contribuiscono a tenere le sostanze chimiche utilizzate - smalti, ossidi ecc.- sotto controllo.
L'argilla finché cruda va sempre recuperata, e a questo proposito ci sono molte teorie. Io utilizzo vari secchielli - quelli dello yogurt da 1kg di cui ho ampie scorte - per contenere l'acqua che si utilizza come lubrificante sul tornio e che progressivamente si sporca di argilla e diventa sempre più densa. Il secchiello con l'argilla più densa va lasciato decantare fino a poter spostare la melma su un catino di gesso (coperto da un telo di cotone) che assorbirà l'acqua e consentirà di ottenere un impasto lavorabile da rimettere nel ciclo produttivo, con l'accorgimento di sbatterlo perbene per evitare di trovarci successivamente bolle d'aria.
Per lo smalto vale la stessa regola. E anche in questo caso sono utilissimi i miei secchielli da yogurt in cui lavo le spugne con cui pulisco i versamenti di smalto e sciacquo contenitori e attrezzi che ne vengono a contatto. Lo smalto recuperato va filtrato per rimuovere le impurità - specialmente i pezzettini di spugna - ed è subito riutilizzabile. Il risultato è il mio smalto "monster" dalle caratteristiche non proprio certe, solitamente un blu variegato ma ovviamente variabile che può sempre essere utilizzato, anche a sorpresa, senza test preventivi, per ricoprire l'interno poco visibile di vasetti e bottiglie.
Quanto agli altri materiali da laboratorio, per i secchi oltre che al supermercato (nel caso dello yogurt) mi rifornisco dal gelataio locale che butta via i contenitori da 5g di panna, eccellenti per ogni uso e indispensabili per rallentare l'asciugatura dell'argilla e contenere smalto. Per gli scaffali invece ho la fortuna di avere un amico che abita davanti al supermercato del paese e mi avverte quando ci sono delle opportunità: ho una serie di espositori a griglia plastificata gentilmente offerti dai produttori di patatine. Ma gli scaffali più utili in assoluto sono senz'altro le cassette in plastica dell'uva, leggere, impilabili, facili da spostare e da utilizzare in ogni fase di lavorazione della ceramica, nonché per il trasporto degli oggetti finiti verso i rari mercatini a cui partecipo. Gli esempi potrebbero continuare, ma la conclusione è che nell'artigianato sono molte le opportunità di riuso, purché si abbia fantasia e si sia disposti a usare olio di gomito. Infatti ciò che per qualcuno è rifiuto per qualcun'altro può essere un tesoro: "one man's rubbish is another man's treasure".

In foto qualche oggetto finito con sullo sfondo alcuni miei fidi secchielli dello yogurt.

Operazione carciofo /The Artichoke Operation

2011-05-29T11:47:00.001+02:00

Non tutte le ciambelle riescono con il buco, ma non è detto che tutte le ciambelle senza buco siano da buttare. La più frequente causa di moria degli oggetti crudi è l'inettitudine, la mia per inciso, e ci sono certe giornate...
Ieri stavo modificando la superficie di una ciotola grande sulla torniella, avendo stupidamente lasciato un vasetto monofiore ancora crudo (quello che in inglese chiamano bud vase "vaso da bocciolo") troppo vicino al mio raggio d'azione, con il risultato che il vasetto è precipitato verso una nuova vita possibile, ovvero sul pavimento. Dopo aver santiato ripetutamente l'ho semplicemente rimesso a bagno.
Altro caso penoso, all'unico gatto di questa stagione (qualche anno fa facevo un sacco di gatti raku) è toccata una sorte simile, avendo miseramente perso la coda al momento di essere caricato in forno. Cosa fare a questo punto se non respirare profondamente e pensare filosoficamente che questo sport non è adatto ai deboli di cuore...

Poi l'altro giorno mi sono ribellata. Stavo appoggiando una ciotola rovesciata sul tornio per ritornire la base - operazione che dà la forma definitiva all'oggetto - e contemporaneamente cercavo col piede destro il pedale del mio Shimpo. Mai cercare di fare troppe cose in contemporanea! E soprattutto mai riposizionare il pedale con il tornio acceso. A questo punto sono intervenute due aggravanti: 1 - il mio vecchio tornio (quello su cui ho imparato a tornire) ha il pedale fisso, per cui il mio piede non è abituato a questi rischi e
2 - secondo le istruzioni del fornitore dello Shimpo avevo precedentemente svitato il dado per evitare quel noioso scattino iniziale che probabilmente avrebbe salvato la mia ciotola.

Cos'è successo? Il piede ha trovato sì il pedale, ma anziché spostarlo lateralmente nella posizione d'uso, l'ha schiacchiato fino in fondo causando l'improvvisa rotazione del tornio e la rovinosa corsa della ciotola contro il paraspruzzi e contro le teste dei bulloni che servono a fissare i piatti da tornio. E questa volta ho, come da manuale, nell'ordine: santiato, respirato profondamente, filosoficamente pensato che la ciotola stava per ritornare nel "tutto"... ma poi mi si è accesa una lampadina. Visto che la forma non era compromessa e che la durezza dell'argilla era ancora manipolabile, perché non tentare di risolvere i bordi in altro modo?? Ecco a voi quindi il risultato "serendipitoso" dell'incidente, che è stato poi volontariamente ripetuto per ottenere una serie di recipienti concentrici con i lati a petali che danno all'insieme quell'aspetto "a carciofo" a cui accennavo nel titolo. Non ho idea a che possa servire, ma lo trovo abbastanza aggraziato. Faccio sempre a tempo a distruggerlo al momento di caricarlo in forno...

Qui ci sarebbe lo spazio per la versione inglese di questo post. Ma siccome non mi risulta che nessuno mi stia leggendo in inglese, ho deciso di scioperare.

Il fascino della terra cruda / The appeal of greenware

2011-05-08T10:30:00.000+02:00

Mi sono sempre chiesta per quale motivo trovo più entusiasmanti gli oggetti in corso di lavorazione degli oggetti finiti. La terra foggiata ma ancora cruda è piuttosto inutile, ma esprime appieno il fascino della ceramica, cioè la materializzazione di un'idea non ancora compiuta e perciò al massimo delle sue potenzialità. E' un po' come un sogno che inizia a prendere corpo, non è più solo un concetto astratto e sfuggente. Ha una sostanza, anche se perfettibile, che proprio perché perfettibile contiene il seme della massima bellezza. Ovviamente in quanto ancora cruda la forma è ancora reversibile, ed ecco che sempre più spesso - sto diventando esigente - l'oggetto tornito non supera il giudizio dell'autore e finisce nel secchio dell'argilla da recuperare, di ritorno allo stato di pura materia informe. L'oggetto cotto e smaltato invece è ancora è scarsamente passibile di modifiche (al massimo si può ricuocere lo smalto o fare un terzo fuoco, entrambe pratiche estreme ed antieconomiche per quanto mi riguarda), è perciò finito nel senso di non più infinito, cioè privo di possibilità di ulteriori sviluppi, privo di futuribilità. So di star sconfinando nel filosofico, ma il fascino dell'incompiuto è un parametro guida della mia immaginazione. I momenti più esaltanti della mia vita sono sempre stati quelli in cui ho prefigurato scenari che sarebbero stati successivamente smentiti dalla realtà del vissuto. Infatti, raramente l'esperienza è all'altezza dell'immaginazione e forse è questa la chiave del fascino che l'argilla informe esercita su di me. Può essere ogni cosa, o quasi, al punto di dare un senso di smarrimento o di imbarazzo, ma una volta avviata verso la forma l'argilla a me dà un senso di progettualità molto più soddisfacente del risultato finale stesso. In foto due delle mie eterne ossessioni: foglie e spirali attualmente in corso di lavorazione.

I've always wondered why I find unfired pots far more interesting than actual finished ware. Greenware is pretty useless in practical terms, but it represents ceramics at its most fascinating. It embodies an unfinished idea, therefore it embodies a full spectrum of possibilities. It's like a dream that's just beginning to become true, not just an abstract, fleeting thought. It is substance and yet it is perfectible, which means that it still holds potential for beauty. On the other hand, of course, being unfired, greenware can still be reversed into pure material and end up in the clay reclaiming bucket, something that is actually the more common as I become the more demanding. Finished ware is still liable to be altered by a third fire - which actually does not fall within my habits - but it is finished, or rather no longer infinite, no longer capable of developing. I know this is becoming philosophical - bear with me if you can - but beginnings have always been the backbone of my imagination. The most exciting moments of my life were those in which I was imagining scenarios that life would later prove wrong. As a matter of fact, very rarely experience measures up to immagination: maybe this is the reason why I am so seduced by formless clay. It can be anything, or almost anything, to the point of inspiring dismay or embarrassment, and yet as soon as it becomes form clay gives me a sense of purpose that I find a lot more rewarding than the final result. In the pictures two old obsessions of mine, leaves and spirals on pots currently in process.

Primavera all'improvviso / Suddenly it's spring

2011-04-07T10:04:00.001+02:00

Orbene qui i problemi sono più di uno (altrimenti sarebbe il problema). Nell'angolo di mondo nel quale trascorro, spesso malvolentieri, la maggior parte dell'esistenza, la "bella stagione" - quella in cui si possono tenere le finestre aperte, le mani a bagno nell'argilla e in cui c'è abbastanza luce da stimolare il metabolismo - dura solitamente tre mesi, quattro in annate memorabili. Il fatto che in queste ultime settimane abbiamo prematuramente temperature massime di 25 gradi e sole a volontà non solo destabilizza, ma per certi versi stressa e preoccupa.
Di motivi per stressarsi ne posso citare vari. Uno è l'erba - quella cosa verde che cresce dove non è desiderata e stenta a crescere nei luoghi in cui la si semina - la quale inizia già a richiedere cure e tagli senza i quali la pace in famiglia potrebbe essere messa a repentaglio. Altro motivo di stress di ordine domestico è che il sole mette in evidenza tutte le manutenzioni da fare (imbiancature, verniciature e così via) le quali in una casa vecchia come la mia sono all'ordine del giorno. Oggi per esempio, ho visto ahimè, il primo mucchietto di segatura da tarlo del soffitto, cosa che solitamente avviene in giugno.
Ovviamente nessuna delle mie attività invernali diminuisce, né il lavoro che paga le bollette (alla faccia della recessione), né quelle di silviapotter (leggi ceramica e vetro), anche perché l'unica mostra a cui partecipo, la Mostra dell'Artigianato Città di Feltre, che si tiene a fine giugno, vorrebbe che la nuova produzione fosse già in corso.

In altre parole io vivo in un luogo in cui il clima è un ottimo alibi per sognare di fare cose, senza sentirsi in colpa per non riuscire a farle, perché - si sa - è brutto tempo, fa freddo, è così grigio che non viene voglia di mettere fuori il naso. Immaginate la fregatura di una primavera anticipata come questa.
Ok, adesso ho deciso di farmi un piacere. Anziché continuare a lagnarmi, ho deciso che mi siederò a fare per iscritto l'elenco delle cose da fare in ordine di priorità, poi aprirò la finestra, uscirò sul poggiolo, respirerò l'aria fresca della mattina, guarderò per trenta secondi il verde degli alberi del vicino, e sarò grata per questa anteprima di primavera che riscalda il cuore.
In foto "Miss Mao", ovvero qualcuno che è veramente contento che sia primavera, sullo sfondo dell'erba che cresce. Per citare Adrian Monk, "It's a gift, and a curse" (un dono e una maledizione).

Sorry folks if anybody would like to read this post in English. It's spring all of a sudden and I really, really do not feel like I want one more translation to do. It's just blah blah blah anyway.

Di impollinazione incrociata ed altri fenomeni/Cross impollination and other phenomena

2011-03-27T21:41:00.001+02:00

Quando ho iniziato a fare piccoli oggetti in ceramica da usare come monili ero convinta di volere vedere che uso se ne sarebbe fatto fino in fondo. Non volevo cederli prima che si fossero trasformati in orecchini, collane o altro. E quindi mi sono attrezzata per costruire gioielli, ho imparato da zero a lavorare il filo metallico, ho scoperto che esistono componenti dai nomi per lo più incomprensibili ai non addetti: schiaccini, monachelle ed altre voci il cui significato e utilizzo ho dovuto cercare in rete. Ed anche qui la world wide web stupisce per la quantità di risorse. In altre parole, ho imparato a costruire bijoux.

Poi il vetro è entrato di prepotenza nella mia vita e man mano che imparavo a fare le perle a lume il numero di oggettini in attesa di destinazione aumentava. La questione è semplice. Per imparare bisogna fare esperimenti, "provare a fare", e il risultato dei tentativi, la maggior parte delle volte perfettibile, si accumula. Per fortuna le perle ci stanno in una scatola. Con la ceramica è stata più dura. Durante gli anni in cui imparavo a lavorare l'argilla ho saturato l'intorno familiare di tentativi gradualmente sempre meglio riusciti di tazze, brocche ed altro. E quando nell'espressione dei riceventi ho iniziato a leggere regolarmente un malcelato disappunto (ancora ceramica ?), ho deciso di comprare degli scaffali in cui tenere la mia prole. Ed ho iniziato a vendere ceramica.

Le mie perle hanno fatto lo stesso percorso, con la differenza che, trattandosi di componenti, posso cederle e poi stare a guardare che cosa diventano. Lasciando andare i miei piccoli figli di vetro e ceramica e posso vederli crescere in altre mani, posso entrare nel processo creativo di altri e posso ricevere in cambio degli ottimi spunti per i miei nuovi sviluppi, un pò come succede per le piante, per impollinazione incrociata.

Ecco cosa ha fatto Alessia, di Beads and Tricks con il gusto e la perizia che la contraddistinguono, con le perline di Silviabeader (she pots, she beads).

When I started to make clay beads I thought I wanted to follow the process through, and see what they finally became, whether earrings, or a necklace. I was too jealous to give some of the process away. The fun part was learning how to handle metal and use pliers, a chasing hammer, and learn the meaning of words I had no previous knowledge about: split rings, bead caps and what not. As usual the web was my teacher, and I learnt how to make jewels.

Then glass came along . Teaching myself how to lampwork involved producing a number of beads I could really not see the purpose of, because that's the way I learn, by trial and error. My bead box so grew fuller and fuller with idle little things whose only function in existence was to make me learn. It was a process I had gone through before. In my early years as a potter the only way to learn was to make,and the results I lavishly gave away to family and friends. Until one day I started to read disappointment in the eyes of the receivers (Oh, let it not be clay again!!). Then I bought a shelving system and started to sell pots.

It was the same thing with my beads, other than they are not finished products, so I can give them away and wait to see what they become. In other words I can interfere with someone else's creative process and let the feedback influence my work, by a phenomenon similar to cross-impollination.

So here is where I wanted to get. I'm proud to show what became of my clay beads in the hands of Alessia, of Beads and Tricks. My beads, her taste and skill.

Ancora vetro, in attesa della primavera/ Still glass, until it the clay thaws

2011-02-22T17:12:00.002+01:00

Purtroppo anche quest’anno mi sto facendo travolgere dagli eventi. Il lavoro che paga le bollette non lascia grandi spazi, e il tempo che dedico alle mie passioni, ceramica e vetro, lo devo rubacchiare qui e li, spesso a scapito del riposo, ma chi ha tempo di riposare?

Novità in ambito ceramico una sola, di cui riferirò non appena avrò finito di visionare il doppio DVD di tecnica costruttiva di Sandi Pierantozzi, ceramista americana di lunga carriera, molto elogiata dai ceramisti che ho conosciuto al workshop di Lana Wilson l’anno scorso.

In tema di vetro invece le novità sono parecchie. Continuo ancora a sperimentare con l’ausilio dei nuovi attrezzi made in USA, pinze, presse, fritte e foglio d'argento specialmente.

L'ideale a cui cerco di riferirmi è lavoro di un’artigiana israeliana che mi ha aperto un nuovo orizzonte estetico rispetto al vetro a lume
.

Avvalendosi della sua preparazione come web designer e di una particolare sensibilità per i colori Sarah Hornik stratifica toni, trascina e avvolge il vetro caldo, producendo dei piccoli capolavori di arte moderna.

Tutta un'altra scuola di pensiero rispetto al concetto di simmetria e regolarità che avevo acquisito dai miei precedenti insegnanti virtuali (cioè dai libri su cui sto imparando, da Corina Tettinger specialmente). Il gioco delle perle di vetro (il rimando a Herman Hesse è intenzionale) diventa così un esercizio più libero e meno rigoroso, e ci sono un sacco di prove da fare, in attesa che le temperature mi consentano di rimettere le mani sull'argilla. Tutte queste foto di questo post sono di Sarah Hornik.

I haven't been really focusing lately. My day job is totally sucking up my time, and I'm literally dying to play with glass and clay. Regarding clay, the only piece of news worth recalling is that I'm currently viewing Sandi Pierantozzi's Handbuilding DVDs. I've admired her work on books for so long, then last year the San Diego potters told me how much they'd enjoyed attending Sandi's workshop. Imagine how delighted I was to be able to learn from her, albeit virtually. But I'll dedicate a post to the DVDs as soon as I am done viewing it.

As for glass, which is no lesser an art but is surely a quicker endeavor - at least because you can see the results after a few hours, not after days - I'm busy trying new tools, frits and other tricks that I brought from the US. These days I'm referring to the work of a lampwork artist that has definitely challenged my aesthetics regarding beads.

With a background in web designing and a special taste for color combinations, Sarah Hornik playfully swirls and drags hot glass in tiny works of modern art. Easy as it seems, though, it takes a knack for color to get her results. So I'm giving it a try, as I wait for the spring to bring the beginning of a new clay season.

All these pictures are Sarah's work. I'm not ready to show my clumsy attempts yet.

Appunti americani /American notes

2011-01-20T22:40:00.003+01:00

Camminando sui marciapiedi di Santa Barbara, California, mi capita di incrociare personaggi a dir poco bizzarri. Oggi ho assistito a un breve incontro tra una rappresentante della generazione di Woodstock, chitarra alla mano, e una giovanissima californiana visibilmente incinta, che invece imbracciava il cellulare. La veterana l’ha apostrofata allegramente dicendo “Hai fatto il test del DNA? Sei sicura che sia tuo??” Questo paese mi sorprende sempre con il suo buonumore, gli estremi, e i paradossi con cui mi aggredisce ogni giorno. Che ci posso fare l’impero del male non smette mai di stupirmi? Che ci posso fare se il detestato Mac Donalds fa delle irresistibili Bacon Ranch salads, se lo spettacolo della fontana danzante del Bellagio a Las Vegas, “la città del peccato” mi intenerisce il cuore, che ci devo fare??

In tema di ceramica poi, come si fa a non essere invidiosi delle possibilità che offre la scena americana? Quest’anno non sono riuscita a trovare nessun corso da frequentare in gennaio, ma ho visitato alcune gallerie con delle ottime selezioni di ceramisti. Tra queste la Armstrong’s di Pomona, Los Angeles, che espone le porcellane di Tom Coleman tornite e modificate, quelle di Elaine Coleman minuziosamente scolpite e decorate, le teiere mignon di Fong Choo, i vasi di Harrison MacIntosh, le innovative forme di Christa Assad di cui ho già avuto modo di scrivere in questo blog, le ceramiche messicane della tradizione Mata Ortiz, e last but not least, le brocche del mio beniamino, Steven Hill.
Attivo in Illinois oltre una trentina d’anni, Steven è celebrato per le sue caraffe a forma di melone, aggraziate e scultoree, tornite, modificate e decorate con barbottina, e cotte una sola volta. Ho letto più di un articolo in cui lui, generoso come la maggioranza dei ceramisti americani, illustra il suo processo creativo, la scelta della monocottura, fatta a gas per trent’anni, gli smalti. La novità è che recentemente però, Steve ha scoperto che la ricchezza dei suoi smalti non dipendeva quasi per nulla dalla cottura a gas, ne dalla riduzione, ma piuttosto dalla sovrapposizione e dalla giustapposizione degli smalti spruzzati.

Mi entusiasma l’idea dell’artista che in trent’anni mette a punto un processo per cui è acclamato, e che tuttavia è capace di mettersi in discussione radicalmente cambiando il tipo di cottura, e ancora più recentemente, dall’agosto scorso, abbassando la temperatura di cottura fino al cono 6 (1200°C). Quest’ultimo passo, che implica la completa riformulazione degli smalti, è faticoso ma sempre più frequente da queste parti. Anche gli americani stanno scoprendo il prezzo dell’energia, la necessità di conservarla e di contenere le emissioni. Due anni fa acquistato una tazza di Steve Hill, e ancora oggi mi “intrippo” sulla sua forma, sui cristalli opachi della sua superficie, mentre bevo il primo caffè della giornata. Che lusso.

It’s easy to run into weirdos while strolling the sidewalks of Santa Barbara, California. Today I witnessed a typical generation clash on a different ground, between a boomer hippie, who was incidentally dragging a guitar like she was going to Woodstock, and a very young pregnant woman holding a cell phone to her ear. The former yells “Have you had the DNA tested, are you sure it’s yours??

This country blows my mind over and over, its contrasts and overall good mood never cease to surprise me. I can’t help loving Mac Donald’s Bacon Ranch salad (although I am very ashamed), what can I do if I am moved by the dancing fountain at Las Vegas’ Bellagio, what am I supposed to do??

When it comes to ceramics, how can I help being jealous of the numberless possibilities that potters have in the USA? I didn’t find a workshop to attend in January this year, but I had a chance to visit a few galleries exibiting a beautiful selection of ceramic items. Among these, I loved Armstrong’s in Pomona, LA area. It represents the work of some very renowned artists, the porcelain by Tom Coleman, thrown and altered to perfection, those of Elaine Coleman, so elegantly carved, Fong Cho’s tiny teapots, Harrison MacIntosh’s bowls, Christa Assad’s interesting stoneware – I had the opportunity of visiting her studio in Berkeley last year – Mata Ortiz’s traditional pots, and last but not least, my favorite, Steven Hill’s melon pitcher. Steven has worked in Illinois for over thirty years and is celebrated for his graceful, sculptural pitchers, which are thrown, altered, slip-decorated, and single-fired. I read quite a few articles by him, in which he – generous like most American potters – discloses his process, the reasons for the choice of gas single-firing as well as glaze application. Interestingly enough, in 2008 Steve found out that the richness of his glazes owed very little to the reduction and the gas firing, but was mostly the result of spraying and layering the glazes. I am so thrilled by the idea of this artist’s perfecting a process over thirty years and then totally ditching it to incorporate new possibilities. Even more recently, since August 2010, he’s been lowering his firing temperature to cone 6^ (electric). The latter step, which involves totally reformulating the glazes and color palette, is increasingly common with American potters. They are finally confronted with the need for energy conservation and lower emissions and are resorting to lower firing temperatures.

Two years ago I bought a green and purple mug by Steven Hill, and I still get stuck in the contemplation of its shape and of the matt crystals on the surface, as I sip my first coffee in the morning. What a treat.

From Steve Hill's website

I like taking responsibility for creating the magic. I’d rather put the energy into applying glaze, instead of chopping wood and firing kilns.

Geoffrey Wheeler

I never forgot these words from Geoffrey Wheeler’s Emerging Artist presentation at NCECA in 2001. Last December I decided it was time for me to see what I could do with electric firing and the results have challenged my fundamental beliefs about firing!
Steven Hill

All pictures are Steven Hill's work.

Appena sfornati/New pots

2010-12-30T11:30:00.045+01:00

Ultimo post dell'anno per riferire, in extremis, delle ultime novità dal mio forno. Due spunti interessanti, due nuove tecniche per manici e superfici che meritano futuri sviluppi.

Manici controversi

Due brocche con manici interessanti, foggiati a mano in due puntate, dall'attacco superiore e da quello inferiore. Un po’ di varietà per un oggetto tra i miei preferiti da tornire. Brocca Picasso e Tronco di cono, decorazione a barbottina, vari smalti a spruzzo sovrapposti.

Scodella rossa

Una nuova puntata dell’eterno sceneggiato “Alla ricerca della superficie”. Sembra Superquark ed in qualche modo è infatti il resoconto di una nuova esplorazione della terra (intesa come argilla). Questa volta si tratta modificare la superficie contemporaneamente per sottrazione e per aggiunta.

Per sottrazione, dipingendo riserva, nel mio caso gommalacca, sull’argilla cruda a durezza osso. In futuro credo che proverò con la cera calda, l’emulsione a freddo e vediamo cos’altro mi viene in mente. Una volta ben asciugata la riserva, e sempre a durezza osso, si spugna per togliere argilla dalle parti non coperte, ecco la sottrazione. Per aggiunta al solito la barbottina a siringa.

Il risultato offre delle ottime possibilità, a patto che si usi uno smalto collaborativo che non copra interamente i vuoti e metta in risalto i dislivelli.

Ecco tutto per quest'anno. Ci risentiamo al mio ritorno dalle Americhe.

Last post of the year to show what came out of the last glaze firing. "Controversial" handles and shellac reserve /water etching. Two interesting techniques respectively for pitchers - one of my throwing favorites - and surfaces. Worth some future deeper exploration.

"Controversial" handles
Two interesting pitchers with a common pulled handle type. These handles are pulled in two stages from the top and bottom connection points.

Red pot

A new episode of the everlasting series "on the quest for a decent surface". This time the surface is obtained by removing and adding clay.

I removed clay by painting shellac on the bone-dry pot and then sponging the surface.
The clay particles not covered by the reserve are removed and provide a nice relief, as long as it is coated with a glaze that breakes over it underlining the effect. I then added dots and lines by slip-trailing as usual. I really liked the result and will probably explore this technique further in the future.

That's it for this year. See you when I'm back from the Americas.

Pubblica post

Ecoraku da indossare /Ecoraku to wear

2010-12-04T16:39:00.000+01:00

Per un ceramista la cottura raku è sempre un momento di festa. Grandi preparativi, un discreto investimento di tempo, e una forte componente di convivialità perché le manovre richiedono più di due braccia. Poi l'incognita dei risultati, non sempre all'altezza delle aspettative, ma sempre sorprendenti. Nel corso degli anni mi sono attrezzata per questa festa, ho letto libri (Steve Branfman soprattutto), ho costruito forni (grandi, piccoli, su ruote, in cemento/lamiera/rete e lana di caolino), ho sperimentato un'ampia gamma di materiali infiammabili e contenitori per la post-riduzione, compresa la "post-riduzione integrale" che consiste nel sostituire la cappa del forno con un bidone, spostando il forno anziché gli oggetti in cottura.

Tutti gli esperimenti fin qui compiuti andavano bene per oggetti di media grandezza con una certa massa e quindi una certa deriva termica. Con la riduzione integrale invece si riusciva a ridurre anche oggetti più grossi senza l'impiccio di spostare grossi pesi incandescenti.
Invece per le cose di piccola massa finora non avevo trovato soluzione. Cuocendoli su delle lastre si riusciva a spostarli, ma prima di riuscire a scaricare il forno i piccoli oggetti si raffreddavano e la riduzione non avveniva. Ho provato a costruire un forno piccolo in lamiera e lana ma la temperatura era estremamente disuniforme e impossibile da controllare, né a occhio né a termocoppia si riusciva a capire quando era l'ora di sfornare i pezzi. Infatti questo è rimasto per lungo tempo un problema senza soluzione.

E poi la settimana scorsa, dopo aver letto un post su ceramic arts daily, che raccomando vivamente, e dopo aver visto gli oggetti di maku su facebook, mi sono decisa a provare a fare la cottura raku in solitaria usando il forno a microonde e uno di quei marchingegni al carburo di silicio noti come "microwave kiln", che avevo iià utilizzato in passato per la vetrofusione.

I risultati sono stati entusiasmanti anche se incostanti. Il rame fa il rame metallico con estrema facilità purché la post-riduzione si faccia in un contenitore piccolo. Carta, foglie e paglia si incendiano facilmente e danno una carbonizzazione estremamente soddisfacente senza creare enormi quantità di fumo.

Dove il rame interagisce con il ferro ho anche avuto iridiscenze variegate, e non ho ancora provato il nitrato d'argento!!!

Il procedimento è estremamente empirico, perché bisogna farsi guidare dal colore ce fuoriesce dallo spioncino, ma visto che tra una cottura e l'altra non tarscorrono più di 15 minuti è possibile imparare dall'esperienza e aggiustare il tiro con estrema facilità. E senza usare gas per la cottura e alimentando il microonde con l'impianto fotovoltaico ho realizzato i miei primi bijoux ECORAKU! ECORAKU DA INDOSSARE!!!

Raku is a lot of fun for any potter. It requires considerable commitment though, in terms of both equipment and time. It's a long day of work with a friend because I cannot man the kiln and reduction by myself. The effort it takes usually leaves me with a nasty migrain to live with the next day.

Over the years I researched raku pretty thoroughly, I studied books (Steve Branfman's especially), I built various kilns out of cement/net/sheet metal and kaowool, I tried an array of reduction material and containers. Among these, an impressive "total reduction" technique by which we moved the kiln shell instead of moving the ware. And it all worked fine for medium-size objects with some mass and thermal drift, whereas the "total reduction" technique was grand for large pieces that would have been too difficult to move while red-hot.

But for small stuff like jewel components I could not come up with a satisfactory solution. I tried moving them and reducing them on a slab for ease of handlung and increased thermal drift. I even tried making a small gas kiln that tuned out to be too uneven in temperature and impossible to understand. All to no avail.

Then last week, after reading a post on ceramic arts daily - which I warmly recommend - and viewing the jewels by maku on facebook, I decided to raku-fire jewels solo-style in a microwave oven with one of those silicon carbide gadgets known as microwave kilns that I used to fuse glass in. And the results were very appealing. Copper truly flashed and the blackened surfaces looked like the real thing without me getting all smoked over. I even got some flashing rainbows where copper met iron. I loved it.

Being so very empirical, it cannot be expected to be consistent, but it is easy to learn when a full firing/reduction cycle takes ten to fifteen minutes to the most.

On top of all that, rakuing in a PV-fed microwave means that these were my very first ECORAKU jewels.

ECORAKU TO WEAR!!! WAY TO GO!!

Di pioggia e di suggestioni orientali / Rainy days and Eastern charms

2010-11-19T18:49:00.002+01:00

Questa settimana il piano era smaltare un paio di fornate di scodelle e terrine fatte a tornio. Per ragioni di tempo sono costretta a smaltare a rate, perché continuo a rosicchiare qualche oretta di artigianato il fine settimana e nelle pause pranzo e si perché si da il caso che abbia piovuto in modo quasi ininterrotto per due settimane. Con questi livelli di umidità la ceramica non collabora, si imbomba d'acqua e non si asciuga, il che significa che per completare la smaltatura a spruzzo devo procedere a piccole dosi. Non necessariamente un fatto del tutto negativo, perché procedendo per sovrapposizione e in queste conduzioni si ottengono effetti tanto impensabili quanto irripetibili. Nel caso specifico lo scopriremo solo vivendo (o leggendo i post successivi), perché ci dovrò lavorare ancora almeno tre volte in tre giorni diversi. Ad ogni modo questa impasse mi ha dato modo di esercitarmi con il vetro al cannello, e una tecnica a punti sovrapposti che dà un effetto a fior di loto come negli esempi qui sotto.

I was supposed to glaze pots this week. I have to do it by installments because of my day job, but especially because of the crappy weather we've been having. Spray-glazing in this weather is not totally bad, I can spray several layers and multiple colors, and bring about unexpected effects that can hardly be replicated. And on top of that, as I wait for the biscuit to dry I get practise time at the torch. So this is what came out of my anealing kiln this week. Overlapping dots resembling a lotus flower, or tiny Ming pots as in the examples below.

Il risultato mi ha entusiasmata e ho pensato di prendermi per una volta sul serio e costruire un paio di orecchini in argento, catenina compresa, il che ha richiesto la saldatura dei componenti. Un'altra arte da imparare e mettere da parte.

I was so enthused by the results that even dared use them to make sterling-silver earrings that involved some soldering (a new skill to be learnt).

Questi altri hanno un'aria da porcellana ming nel contrasto tra il blu, il bianco e i dettagli in rosa.

These ones have a Chinese air about them, the blue and white with a hint of pink remind me of ancient porcelain seen in museums.

Quelli sotto invece ripropongono le spirali (ancora spirali) sia nella monachelle che nel vetro, mentre le piccole perle blu sono in vetro di bottiglia (un Prosecco così così comprato solo per il colore della bottiglia).

While making these I found one more way of using spirals: the beads incorporate swirls that look like tiny waves. The spacer beads are recycled bottle glass: eco-beads!!!!

E adesso se per cortesia può smettere di piovere, avrei delle cose da finire di smaltare.

And now I would be very grateful if it stopped raining, this potter needs to go back to work.

La terza: le spirali - Third good news: spirals

2010-11-07T19:49:00.003+01:00

Il mondo è pieno di spirali. La buona notizia è che dopo aver profuso spirali sul fondo degli oggetti foggiati a tornio, sulla decorazione a barbottina, grafitta e a stampo, ho scoperto nuovi modi per incorporarle nella bigiotteria, e in particolare nelle parti funzionali dei monili, ganci, fermagli e monachelle!!

Credo che quella delle spirali sia una ossessione molto diffusa. Che cos'ha questo grafismo per affascinare artisti, artigiani e comuni mortali? No è solo una curva, suggerisce profondità, movimento, e la forza centrifuga che sta alla base del lavoro del torniante. Mi domando se tutti i tornianti siano affascinati dalla spirale, se la fascinazione per la spirale sia un presupposto imprescindibile per dialogare con il tornio.

Coils and spirals are all around us and I am totally obsessed by them. I never miss a chance to affix a good spiral on my pots, at their bottom when they are thrown on the wheel, or on the decoration, be it slip-trailed, stamped or carved.

Good news number three is that I found unexpected ways of putting spirals on jewels, especially on their functional parts, earpieces, hooks and the like. A spiral is not just any curve, it suggests movement and depth, and it hints to the centrifugal force that's a potter's best friend.

I wonder whether all potters are obsessed by spirals. Is this obsession a collateral effect of working on the wheel or is it the other way round? Maybe one cannot become a potter unless he/she's obsessed by spirals!!

Buona nuova numero 2: vetro riciclato/Good news number two: recycled glass

2010-10-22T19:08:00.002+02:00

L'avevo visto fare su youtube e non mi sembrava tanto semplice, ma adesso che sto diventando bravetta con il vetro di murano (che non a caso viene chiamato soft glass, vetro morbido) ho preso un martello, sono andata sotto il fico di mia madre, ho dato una martellata a quella bottiglia che era diventata un tutt'uno con i rami bassi, ho lavato il vetro e mi sono messa a lavorare i pezzi al cannello. Ebbene, SONO RIUSCITA A FARE PERLE DI VETRO RICICLATO!!! Ovviamente potevo semplicemente prendere una bottiglia dal secchio destinato al riciclo, ma vogliamo mettere la soddisfazione???

Non solo perché il riciclo è diventato ormai inevitabile, nonché di moda, ma il riuso e l'attenzione allo spreco mi sono stati tramandati insieme al DNA. Per un ceramista poi, il riciclo dell'acqua, dell'argilla e degli smalti non è solo una questione economica: ne va della sopravvivenza degli scarichi!!
E poi tutti quei microorganismi che crescono nell'argilla riciclata la rendono ancora più plastica e malleabile (sempre che non ci si perdano dentro spugne ed altri ammenicoli e si riesca a convivere con il profumino..).
Con il lampworking il riuso del vetro di Murano mi veniva spontaneo, anzi, talvolta mi sentivo vagamente idiota mentre inseguivo i pezzettini di vetro con la punta di una canna incandescente, ma tant'è: il vetro non muore mai!!! Per questo la buona notizia numero due della settimana è che riesco a fare le perle in vetro riciclato, anche se saranno, per forza di cose, in tinta unita, ma, come dicevo, vuoi mettere la soddisfazione??? Per ora ho usato vetro verde e blu, ma ho già allertato i parenti perché mi tengano da parte bottiglie/vasetti in altri possibili colori. Le perle verdi di queste spille sono IN VETRO RICICLATO!!!!

So here is good news number two: I CAN MAKE RECYCLED GLASS BEADS!! I'd seen it done on youtube, but I thought it was too complicated until I tried. It is not difficult, provided that one knows that recycled glass is much harder to melt than soft glass as it melts slower and hardens faster. And yet it is very satisfying to use refuse to make something that can be worn. I was thinking that because my elders were very poor (my mom was a professional shepherdess at the age of 7) and also because I am a potter, I have a lot of respect for materials and would never waste any. Recycled clay and glass can also be very rewarding to work with, full of surprises as they are: you can never tell what was lost in the clay bucket or what color a recycled glaze will be. So far I tested blue and green bottle glass, but I'm on the lookout for bottles of other colors. It's so much fun!! The green glass beads in these pins are RECYCLED GLASS.

3 buone nuove - parte prima / 3 good news - part one

2010-10-20T19:02:00.000+02:00

Ieri è stata una giornata di piccole grandi scoperte. Nella fattispecie, giocando con i miei materiali ho scoperto tre novità che mi hanno rallegrato l'intera settimana. Le riferisco a rate perché, per quanto piccole, ognuna merita un post a sè stante, non fosse che per le foto.
Scoperta Numero Uno
Posso usare vetro e ceramica insieme nei bijoux!!!!
Si, lo so, sono troppo schematica e spesso le cose più ovvie mi sfuggono: o fai ceramica o fai vetro, e il fatto che io faccia entrambe le cose è solo un'anomalia casuale.
Fino a ieri infatti le perle di vetro e di ceramica, almeno come le faccio io, per il momento a bassa temperatura, mi sembravano totalmente inavvicinabili. Pur rendendomi conto di avere a che fare con materiali affini, anzi parenti prossimi, la lucentezza del vetro e la ruvidezza della terra mi sembravano inaccostabili. Eppure lo smalto per ceramica in realtà non è altro che vetro a cui si aggiungono additivi fondenti e refrattari, i primi per abbassarne la temperatura di fusione e i secondi per renderlo compatibile con il coefficiente di espansione dell'argilla.

Poi ho avuto questa stupidissima illuminazione, perché non mescolare le carte?, e ho messo insieme pasta egiziana turchese di rame con il vetro opaco avorio con tocchi di turchese e filo di rame. I risultati sono alla vista, e non sono male, speriamo.

Yesterday I stumbled upon three major - for me - findings that made me cheerful for the rest of the week. I'm going to deal with one of them at a time, so here goes good news number one.
Clay and ceramic beads can be combined in the same piece of jewelery.
Sometimes the most obvious things fail me. I didn't know I could combine glass and ceramic beads in my jewelery, isn't it lame? I actually felt a little guilty as a potter for playing with glass. I thought it made me less serious as a potter if I enjoyed experimenting with glass, it felt like betraying my official "partner". And yet glass and clay are so akin in terms of composition! Ceramic glaze is nothing but glass and additives: flux that lowers the melting temperature of glass and alumina that makes it compatible with clay. But in my mind clay and glass were locked in different compatments, they wouldn't mix. Glass was shiny and perfect and my low-temperature clay beads were way too rough to blend in. But at some point then the light went on and I put it all together: copper Egyptian paste and opaque ivory glass with turquoise and copper wire details, not bad I hope.

Ceramica nel Borgo a Scomigo (TV) / Gathering of ceramic artists in Scomigo, Treviso

2010-10-13T19:51:00.001+02:00

Tutti quelli che mi conoscono sanno che sono negata per gli aspetti commerciali di qualsiasi attività. Tant'è così che l'unico modo di rendere economicamente vantaggiosa la mia professione è trovare un partner che possa colmare le mie lacune, fare preventivi in cui non ci si rimetta, fare fatture senza rimorsi, esigere soldi quando sono dovuti. Ecco perché quando si tratta di vendere gli oggetti che creo per diletto, siano essi ceramiche d'uso o bijoux e mi trovo quindi da sola a gestire questi aspetti, non posso che constatare la mia incapacità di commercializzarmi. Puntualmente i mercatini mi deprimono, mi riempiono di dubbi sulle cose che faccio, sul mio gusto nel proporle... La sicurezza di sé è una qualità che non posso vantare.

E' per questo che ho trovato l'ambientazione ideale a Scomigo, sui colli trevigiani tra Vittorio Veneto e Conegliano. Nel piccolo borgo, l'agguerrita e calorosa associazione Piccoli Ceramisti si propone di avvicinare il pubblico alla ceramica con una manifestazione annuale che chiama a raccolta ospiti ceramisti affinché esibiscano i loro lavori e dimostrino i loro processi dal vivo. L'incredibile ospitalità dell'associazione è la chiave dell'evento: mattinata di socializzazione tra ceramisti a spasso per vigneti (con i conseguenti assaggi), pranzo offerto dall'associazione e pomeriggio a lavorare l'argilla in pubblico. E' stata una splendida occasione per conoscere artisti di altre zone e condividere informazioni. Intrattenendomi poi con l'argilla non ho nemmeno sofferto della consueta sindrome "da fiera" che di solito mi lascia depressa per una settimana. E sono persino riuscita a rifarmi dei soldi spesi per acquistare qualche buona bottiglia di prosecco. Nelle foto le due scatole costruite a lastre texturate in un pomeriggio di sole a Scomigo.

Prosit!!

There's a small town on the hills between Vittorio Veneto and Conegliano (Treviso Province) where a miracle takes place once a year: the encounter between clay and wine. In Scomigo - that's the name of the village - potters are summoned by the local potter's guild, the "Associazione Piccoli Ceramisti di Scomigo" to show their work and process, to spend a day talking pottery and, last but not least, sip wine. What's better than that!! This is no great gathering, it's the small scale of the event that makes it even more enjoyable, as artists are invited and welcome on a personal basis. The main features in the gathering this year were a visit to a local vineyard that makes organic wine, lunch hosted by the Alpini (the ex Mountain Corps armymen), and a very peaceful afternoon in which potters publicly exhibited their techniques and artwork. I had a lot of fun because I was busy potting and did not bother about actually selling my work. And guess what?? Some of it sold on its own, and paid for the bottles of Prosecco extra dry that I brought home.

In the picture the two boxes that I slab-built on that very enjoyable Sunday afternoon. Cheers!!

Silviapotter da oggi bilingue - Silviapotter goes bilingual

2010-10-01T10:54:00.003+02:00

Quando ho iniziato questo blog l'intenzione era quella di trovare un interlocutore per le mie sperimentazioni in ceramica, la sfera non professionale della mia attività. La decisione di bloggare solo in italiano è stata probabilmente un gesto di pigrizia, ma anche un modo di tenere separati il lavoro dal gioco. Infatti, se avessi dovuto trasporre questi testi in inglese avrei mescolato le carte e avrei avuto la sensazione di stare lavorando, cosa che cerco di confinare allo stretto ambito professionale. Il problema è che faccio la traduttrice e che sto cercando di smettere, anche se molto lentamente. Quale dentista vorrebbe trapanare denti mentre fa aeromodellismo nel suo tempo libero?

Arrivata a questo punto però trovo che il Mare Nostrum mi stia un pochino stretto, per cui ho deciso di aprire le frontiere. Silviapotter diventa bilingue, con una grossa licenza poetica: la versione in inglese non sarà la traduzione dell'italiano, solo un'ulteriore possibilità di divagazione. In foto un omaggio all'autunno. Una selezione di foglie raku. Si sta come le foglie...

Ok, I give in. When I started blogging about ceramics it was out of isolation. Very few potters in Italy that I could talk to, and still fewer in the remote, narrow-minded, mountain area I live in. I was experimenting with clay and glazes and wouldn't have anybody to talk about it to (except for my very patient, ceramic artist mentor-friend Claudia Dorkenwald). Therefore, I started to blog in Italian because for me it was quicker and more spontaneous but especially because I did not want my day-job and my hobby to mix. You see, I am a professional translator and translating my posts would have added to the heap of untranslated work still waiting to be processed on my desk. Yet as I said the sea is huge and I was just fishing in my garden pond. It ended up feeling narrow, so I've decided to fish in the broader sea and post in Italian AND in English, although the English version will hardly ever be a translation of my Italian posts, so that I do not feel like I'm working. Silviapotter goes bilingual. If anybody should be interested in my previous posts, just let me know. I might make and exception and translate it for you.
In the pictures, a celebration of the Fall. A selection of leaves, with spirals, one of my favourite obsessions.

Silviapotter su "Beads and Tricks"

2010-09-15T10:26:00.001+02:00

Questo è ciò che intendo dire quando parlo di networking che funziona. In questo blog ho avuto modo di nominare più di una volta Alessia di Beads and Tricks. Una blogger dalla quale sono stata iniziata alla lavorazione di bigiotteria in metallo, e specialmente del filo di rame. Da lei ho imparato a martellare, apprezzando il suo gusto nella scelta delle forme, dei colori e dei materiali. Seguendo i suoi link ho scoperto un mondo di creatività che non conoscevo: quello dei costruttori di bijoux (per qualche motivo l'italiano bigiotteria suona spregiativo, io preferisco il francese bijoux o l'inglese jewels, non per esterofilia ma perché l'italiano sembra inadeguato).

Un universo densissimo e internazionale, pieno di persone che trovano negli accessori il modo di esprimersi e una voce nella rete. Un nutrito coro di voci questo, che si intersecano dando origine al noto fenomeno dell'impollinazione incrociata, in un'arena in cui si incontrano idee, spunti e spesso anche dei concreti aiuti tecnici nella forma di tutorials.

Ebbene oggi Alessia ha dedicato un post ai miei microlavori in ceramica e vetro, ovvero alle mie artbeads, un ambito assai poco esplorato in Italia. E mi auguro soltanto che qualcuno dei 676 (dicesi seicentosettantasei) lettori di Beads and Tricks si faccia un giro da queste parti e magari trovi interessante o istruttiva una qualsiasi delle mie divagazioni.

Pubblica post

Mea culpa e dichiarazione d'amore

2010-09-09T08:56:00.018+02:00

In questi ultimi tempi sono stata un po’ distratta rispetto alla ceramica. La passione si era sensibilmente raffreddata e, come succede in tutti i rapporti d’amore, questa disattenzione aveva aperto un varco in cui si era insinuata un’altra presenza…il vetro. Un mondo parallelo e nuovo da esplorare con l’abitudine alla ricerca che mi viene da una diecina d’anni di sperimentazioni con la creta. Un universo affascinante, anche se infinitamente più piccolo della galassia ceramica, che mi aveva occupato la testa e il tempo dei giochi, lasciandomi un vago senso di colpa rispetto al mio amore ufficiale. Non mi rivolgevo più ai miei libri sacri in cerca di lumi, sfogliavo distrattamente i periodici specializzati appena consegnati dal postino…

Poi domenica scorsa, sfidando i miei limiti fisici e geografici, ho deciso di affrontare 8 ore di treno per fare un blitz a Faenza e vedere Argillà, probabilmente l’evento ceramico più grosso d’Italia. E proprio lì, mentre toccavo avidamente gres tedesco e francese e traslucide porcellane, mentre osservavo con venerazione smalti cristallini, mentre trovavo interlocutori che parlavano la mia stessa lingua in una Babele di creta, proprio lì è riavvenuto il miracolo, la liquefazione del sangue di quale che sia il santo dei ceramisti.

La sera sono risalita sul treno con l’urgenza di chi deve rivedere un amante, con l’ansia colpevole di qualcuno che ha qualcosa da farsi perdonare e l’indomani ci siamo ritrovati. Grazie a Dio non è stato come la crudele prima volta, piuttosto ci siamo ripresi proprio da dove ci eravamo lasciati.
Ho reimpastato l’argilla abbandonata nei secchi la primavera scorsa, ne ho fatto quattro pezzi e uno alla volta li ho foggiati sul tornio. E qui va la dichiarazione: IO AMO L’ARGILLA, amo sentirne il tocco sulle mani, amo l’epifania del momento in cui la plasmo contro la forza centrifuga (quando riesce), amo l’assenza di limiti della materia informe e allo stesso tempo sono traumatizzata dalle infinite possibilità.
E adesso, adesso ne ho la certezza. Anche se potranno esserci momenti di noia, fisiologici cali della passione e magari anche qualche intrusione esterna, adesso io lo so: questo è un amore che sarà con me sempre.

In foto, gli straordinari smalti cristallini matt di Yves Lambeau.

La meraviglia nelle piccole cose (potter abducted by the glass bug)

2010-09-02T12:09:00.003+02:00

Qualche tempo fa sono stata rapita da un alieno: il virus del vetro. Fa una strana impressione essere in un laboratorio di ceramica, circondati da oggetti di dimensioni macroscopiche, vasi, ciotole, brocche, seduta a un tavolino con il cannello, concentrata su una pallina di vetro di un centimetro di diametro. E' un cambiamento di scala che mi sorprende per la minuzia dei dettagli, si lavora con canne e fili di vetro che vanno dai 6mm al millimetro di spessore, qualche volta anche meno. E poi mi untrippo su un particolare (mi rendo conto che la parola intripparsi è un desueto retaggio degli anni '80) , sul modo in cui il vetro si muove come un magma incandescente o come intrappola una bollicina d'aria, che diventa un piccolo occhio spalancato o uno specchietto che riflette la luce

Ad ogni modo si fanno progressi nella tecnica a lume e non molti sul fronte ceramica di questi tempi, ma se riesco ad andare a Faenza questo fine settimana potrei tornare con una valanga di idee da infondere nell'argilla.

Il pollaio mediatico e il rischio di plagio

2010-07-22T12:50:00.005+02:00

In questi giorni sono stata coinvolta, a dir la verità inconsapevolmente, in una polemica sul plagio tra "creativi" della worldwide web. Già la parola "creativo" mi dà il prurito, mi porta suggestioni legate al design e alla moda con le quali personalmente ho poca affinità.

Il problema è sorto su una vetrina di gioielli di facebook: un utente ha allegramente e integralmente scopiazzato un motivo spacciandolo per proprio. La cosa era abbastanza ridicola perché ha copiato il motivo vincitore della copertina della stessa vetrina (per capirci, la foto del mese della vetrina), pubblicando poi la copia sullo stesso mezzo. L'autore dell'originale - inutile nasconderci dietro a un dito - peraltro già nominata su questa pagina, è una creatrice di gioielli e blogger con un'allucinante seguito di più di 600 lettori fissi, Alessia Spalma di Beads and Tricks. L'ho già citata qui per il gusto che esprime nelle sue cose e per la generosità con cui condivide i trucchi della sua arte.
Alessia si è indignata nel vedersi scopiazzata, ha esternato su facebook, ed è seguita una lunga discussione in cui qualcuno ha preso fischi per fiaschi e a un certo punto ha citato me, nome e cognome, come autore del misfatto. Vagamente divertita, sono intervenuta sia per chiamarmi fuori - quando imito cerco sempre di citare le fonti - ma anche per relativizzare. Ognuno di noi impara per imitazione, ma certo è poco furbo proporsi con la propria, tra l'altro scadente copia da principiante, sullo stesso mezzo. Quando si studia uno strumento, ci si forma a un mestiere, non si può prescindere dagli esempi. Si copia per imparare e solo quando si è padroni di una tecnica, di un materiale, di uno strumento, si può pretendere di personalizzare. Se improvviso sul flauto dopo la prima lezione faccio rumore, non jazz.
Nel campo delle arti il problema è spinoso. Ricordo che tempo fa la mia amica ceramista Whitney Smith si era inalberata allo stesso modo perché un principiante offriva su Etsy una bruttacopia delle sue scodelle matriosca a fior di loto. E ricordo anche di essermi stupita della reazione, perché non si può pretendere di avere il copyright del fior di loto o delle scodelle concentriche. Il problema è di nuovo che il principiante le ha offerte su Etsy, proprio dove erano gli originali.
Ad ogni modo, in questi frangenti la mia politica è la seguente:
1. Cercare di incorporare ciò che mi piace (a rischio di copiare) nel mio ambito di ricerca (la ceramica e il vetro)
2. Citare la fonte quando so di prendere spunto spudoratamente.

Il resto dipende, credo, dall'onestà personale, dalla personale perizia nell'uso del mezzo, e dal gesto che è infuso nell'oggetto, che è ciò che alla fine distingue la qualità artigianale-artistica sia dal prodotto industriale che dal prodotto di un dilettante.
La vita è dura per chi ha stima del lavoro manuale. Non bastava la concorrenza dell'industria, ci si mettono anche i copycats (gli imitatori).
Un'ultima considerazione sull'uso della rete come vetrina. Ero convinta che fosse un toccasana per quelli che come me sono negati per il commercio. Avere un negozietto elettronico potrebbe essere la soluzione per commercializzare in qualche modo ciò che si produce (lo sanno i miei scaffali pieni di ceramica inevasa), ma la diffusione delle proprie immagini sull'arena globale è sicuramente un'arma a doppio taglio. La rete è estremamente democratica e dà le stesse controindicazioni della democrazia.

In foto due braccialetti con le mie sudate perle in vetro lavorate al lume. E quando dico sudate, non lo dico a caso. Cosa ne dite di lavorare a 10 cm da una fiamma che sviluppa oltre 600 gradi in questa estate in stile indiano??

Anticipare i tempi

2010-07-16T10:42:00.002+02:00

Oggi è arrivato il numero Luglio/Agosto di Pottery Making Magazine. Sono perplessa, anzi, sono veramente perplessa!!!! Che io abbia il potere di precorrere i tempi??? Su questo blog nei mesi scorsi ho dettagliatamente trattato tre degli argomenti di cui si occupa PMI in questo mese. Nella sezione "In the mix" c'è infatti un articolo del mitico Robin Hopper che parla, per la verità in modo più dettagliato che nei suoi libri, della pasta egiziana con cui ho sperimentato nei mesi scorsi (vedi qui e qui). Peraltro l'unica illustrazione di un prodotto finito è una brutta collana che non arriva neanche ai tacchi delle mie, ad esempio di questa in pasta al rame e rame martellato.

Poi la sezione "Supply room" si occupa dei treppiedi e supporti da forno di cui ho reso conto qui.
E a rincarare ulteriormente la dose, la sezione "Tools of the trade" parla invece dei fornetti per i microonde con cui mi sono auto-iniziata alla cottura del vetro, anche se l'articolo riguarda esclusivamente la cottura di piccoli oggetti in ceramica.
Sono perplessa. Avevo fatto l'abbonamento a PMI cercando nuovi spunti e nuove idee e questa volta invece sono arrivata prima io. Sono troppo avanti!!!

ps. sto sviluppando senso di colpa nei confronti della ceramica, la sto trascurando troppo mentre imparo a fare le perle al lume, ma questo nuovo gioco è troppo coinvolgente: ho paura che dia dipendenza.

Teoria e pratica

2010-07-02T21:45:00.002+02:00

Lo scorso gennaio ho partecipato a un corso di tecniche costruttive tenuto dalla celebrata Lana Wilson a San Diego, California. Dell’approccio dell’artista al materiale mi è rimasta in mente l’istintività con cui Lana arricchiva le sue costruzioni, un’istintività raggiunta tramite una vita di disciplina come “production potter” e con la scelta di allontanarsi dalla produzione in serie per creare oggetti d’arte, one-of-a-kind. L’apparente semplicità con cui lei pennellava ingobbi, toglieva strati e li reincollava sulle lastre, infatti mi aveva tratta in inganno. Cosa ci sarà mai di complicato in questo? Aggiungi i coloranti alla terra liquida e poi pennelli le lastre, scavi con gli attrezzi, stendi con il mattarello e poi costruisci le forme. Semplice, no? Eppure tornata a casa la sperimentazione si è dimostrata più ardua del previsto. Io mi ero già prefigurata una serie di piatti coloratissimi da portare a tavola e invece subito mi sono arenata sul problema di trasporre gli insegnamenti di Lana ai materiali reperibili qui. Non avrei potuto usare il gres bianco (Laguna 50/50) di Lana ma la terra rossa di Nove, sfruttandone magari l’effetto e il contrasto. Per iniziare non avrei usato i pigmenti da alta temperatura (visto che i miei smalti maturano a 1000°C) ma avrei fatto gli engobbi con i colori da sottocristallina che ho già in casa, con l’aggiunta di un bel pigmento rosso da bassa temperatura comprato a San Diego. Eppure – mi ci vuole un altro eppure – ho passato vari mesi a cercare di venire a patti con tutti questi adattamenti, senza peraltro risolvere alcuni dei problemi che io stessa mi sono creata.

Il nocciolo della questione è che per stratificare gli ingobbi senza che si sporchino tra di loro è necessario attendere che siano asciutti al tatto, ma poi per manipolare le lastre e costruire oggetti è indispensabile riportare umidità all’impasto. Compromessi, sempre compromessi. Ho provato a costruire piatti ricavati da lastre piegate, tagliate e ricucite, scoprendo che le cuciture si aprono miseramente anche lasciandole asciugare per settimane. Ironia della sorte, ho anche scoperto che il bellissimo pigmento rosso di San Diego era a bassissima temperatura – virtualmente inutile visto che è completamente sparito a 1020°C. Perciò ho scartato l’idea di piegare le lastre e ho iniziato a costruire scatole con le lastre piatte, con un maggiore successo.

Colta da entusiasmo, ho pensato a un’installazione di scatole decorative ma mi sono stufata dopo la seconda, probabilmente perché non riesco ancora a trovarci un’utilità. Poi ho cambiato nuovamente impasto e ho deciso di tentare la sorte con le scatole raku, per provare i coloranti su base bianca e vedere che effetto fa la cavillatura su una superficie già sovrabbondante. Della cottura raku prò racconterò in un altro post, visto che ci hanno fatto un intero servizio fotografico.

Ad ogni modo, ecco i risultati a cui sono arrivata finora. Certamente non esauriscono la ricerca, ma per ora questo è quanto.

Nelle foto scattate da Claudia Dorkenwald le scatole Lana-style, due in terra rossa con cristallina matt, ossidazione in forno elettrico e due in refrattario.

Made in Italy: Vetlo di Mulano??

2010-06-26T12:00:00.007+02:00

Non è facile la vita dell'artigiano, specialmente in un mondo che non dà valore al lavoro manuale. Difficile far capire per quale motivo una tazza foggiata a tornio e decorata a mano costi quanto due o tre tazze comprate al supermercato. E poi ci sono i furbacchioni tra gli artigiani stessi. Metti il caso del vetro di Murano e delle perle al lume. Una collega "artigiana" del vetro, a cento metri dal mio stand, ha allestito una postazione per la dimostrazione delle perle al lume, con tanto di cannello e bombole di propano/ossigeno.

Che fortuna - ho pensato. Finalmente riuscirò a vedere la tecnica dal vivo e a fare tutte le domande a cui non riesco ancora a dare risposta. E in effetti, la signora qualche perla la fà dal vivo, riscuotendo grande interesse tra le persone che poi sono invogliate ad acquistare gli oggetti che credono di aver visto nascere. Che "credono" di aver visto nascere, perché la signora magari le perle le sa fare, ma vende vetro cinese usando l'amo delle perle veneziane come specchio per le allodole.

Che delusione, manco gli artigiani vendono più artigianato, ai mercatini come a Venezia. E infatti, la "artigiana" (quante virgolette in questo post avvelenato), in separata sede ha ammesso che lei in realtà si ritiene un'ideatrice di perle che poi le fa fare da altri, ommettendo di dire che questi altri non sono artigiani, e tanto meno veneziani.

Si badi bene, dai cinesi non c'è che da imparare la capacità di cogliere le opportunità, soprattutto quelle che noi ci facciamo scappare. Certo è giusto che il consumatore sappia cosa compra e che il commerciante non finga di essere ciò che non è. E magari che queste sedicenti "mostre dell'artigianato" esercitino qualche tipo di filtro per evitare la presa in giro.

Ad ogni modo, forse una speranza c'è, a giudicare dalla cronaca del Gazzettino di oggi.

Venezia. Vetro di Murano "made in China": sequestrati 11milioni di articoli

Nei guai 3 società: due nella "patria" del vetro e una a Jesolo
Con un cambio di etichette cocci trasformati in artigianato

In foto due braccialetti di perle al lume fatte da me.

Ricorrenza di giugno: Mostra dell'Artigianato Artistico Città di Feltre

2010-06-23T17:50:00.000+02:00

Non avete sbagliato pagina, ho solo cambiato la faccia di questo blog. Non avendo avuto il tempo di andare dalla parrucchiera a cambiare il mio look, mi accontento di questo.
Fine giugno è tradizionalmente il periodo in cui faccio l'unica (per il momento) fiera dell'anno, la Mostra dell'Artigianato Artistico Città di Feltre, che si terrà da domani sera, giovedì 24 giugno fino a domenica 27. Stesso luogo, più o meno lo stesso allestimento, ceramiche vecchie e recenti e - novità - una serie di gingilli, collane, braccialetti e sopratutto orecchini, costruiti attorno alle perline di ceramica di cui ai post precedenti, in pasta egiziana, raku o ossidazione e alle perle al lume con cui mi sto divertendo ultimamente.

Non ho abbandonato la ceramica, per la verità ho anche ripreso in mano il tornio in vista di un progetto di stoviglie color ambra di ferro in terraglia con decalcomanie. Altro discorso da continuare in altro momento.
Ridiscesa nel mondo reale del vasaio comunque, ho subito ricordato come mi si conciano le mani lavorando l'argilla al tornio. Ne ho ricavato un'unghia abrasa e la rimozione del "tatuaggio" di henné che mi ero fatta fare sul polso e l'avambraccio da una signora marocchina (di cui peraltro andavo piuttosto fiera).

Ecco dunque l'annuncio formale degli argomenti che tratterò nei post che verranno, una promessa e un promemoria.
- esiti del corso di costruzione manuale di Lana Wilson: trasposizione della tecnica di Lana in bassa temperatura, in ossidazione e riduzione.
- cottura raku di fine maggio: scatole e perline
- escursione nel mondo del vetro: perle al lume, vetrofusione e nuovo forno multifunzione Prometheus Pro 7.
Per il momento corro a stampare i miei bigliettini per la mostra. Siete tutti invitati!!!!

Nuovo gioco: le perle al lume

2010-05-24T10:12:00.009+02:00

C'e un posto nel mio cervello che incomincia a preoccuparsi della fascinazione che il fuoco esercita su di me. Sono attratta dall'incandescenza e dalla fiamma, e quando vado per boschi mi capita di chiedermi, così come magari uno normale si chiederebbe "chissà come si chiama questo fiore" - chissà che cosa resta di questa foglia/sasso/legno se lo cuocio a 1000 gradi??
C'è un'altro posto nella mia mente in cui sono terrorizzata dal fuoco, retaggio di uno spavento infantile, di quando andò a fuoco la falegnameria di mio padre a Buenos Aires e papà si bruciacchiò braccia e sopraciglia per spegnerlo...
Ma il fascino prevale. Forse ciò che mi cattura è la sfida di controllare il fuoco, di misurarmi con lui e sfruttare la sua potenza per i miei scopi.
Ad ogni modo il nuovo giocatolo è un cannello per vetro collegato a una bombola di propano, la stessa che uso per il raku. Il gioco è antico ed è anche una specialità veneziana: le perle al lume. La cosa assurda è che a Venezia si stia perdendo in favore del vetro cinese: vi sfido a comprare vetro di Murano senza essere bidonati, ma questa è un'altra storia.
Avevo pensato di fare un corso per imparare a farle, ma il cannello era qui e funzionava, e in rete ci sono un sacco di video e tutorials... Quindi ecco le prime, tenere perle al lume di silviapotter. Quanto agli orecchini, un grazie a Alessia Beads and Tricks per l'idea del fiore.

Il ritorno della pasta egiziana Part III: supporti per la cottura delle perle

2010-05-21T12:10:00.007+02:00

Seguito delle parti I- Generalità e II-Impasto e foggiatura. Questa è la fase che ha richiesto più fantasia, e il discorso si estende alla cottura di perline biscottate e smaltate a bassa temperatura con altri tipi di terre.

Le perline vanno infilate nel filo metallico (1) e poi il filo va tenuto sospeso da qualche marchingegno portante (2).

(1) Il problema del filo metallico era scegliere tra materiali e spessori: filo di acciaio zincato, acciaio inossidabile, o acciaio ricotto (noto come "da edilizia")? Il filo zincato va escluso, perché la cottura esegue il procedimento inverso alla zincatura, col risultato di avere crosticine di zinco in giro per il forno che potrebbero aderire allo smalto (un effetto collaterale di questo fenomeno è comunque una certa riduzione all'interno del forno, il che ha fornito risultati piuttosto interessanti in stile raku come quelli visibili in foto). Il filo d'acciaio inossidabile ha un costo maggiore, ma può essere riutilizzato. Trovo che sia ottimo per fare degli uncini riciclabili, ma inutile se il filo sarà usato una sola volta. In quest'ultimo caso, cioè quando il filo sarà usato per costruire dei sostegni a perdere, meglio usare il filo "da edilizia", più economico e duttile. Quanto agli spessori, il filo da 1 mm è sufficiente. Compatibilmente con i fori delle perline si potranno però usare spessori maggiori, ma se si vuole usare un filo più sottile di 1mm, sarà meglio andare sull'acciaio inossidabile.

(2) Quanto a supporti, ne ho costruiti di vari tipi e qui la discriminante da considerare è se le perline dovranno essere movimentate a caldo o no. In altre parole, se si fa una cottura statica elettrica o a gas si potranno usare marchingegni più semplici, come per esempio delle colonnine in refrattario che reggano bastoncini di acciaio di resistenza adeguata, che a loro volta reggano il filo su cui sono infilate le perle. Se invece le perline saranno rimosse incandescenti dal forno per la post-riduzione, sarà conveniente costruire supporti più complessi ma che consentano una manovra sicura e veloce senza che le perline si tocchino tra di loro. Ecco perché mi sono documentata a questo proposito e ho costruito sostegni di due tipi.

Tipo 1: Ho fatto dei coni in refrattario con dei fori fatti diagonalmente dall'alto verso il basso con un filo da 1.5mm (il refrattario ha un ritiro basso ma ce l'ha, per cui se si usa un diametro da 1mm non si riuscirà a inserire il filo da 1mm dopo la cottura del supporto). Ho fatto molti fori sulla superficie del cono in modo da avere scelta al momento di posizionare le perline in base alle loro dimensioni, sempre per evitare che si incollino tra di loro. Alla sommità del cono ho modellato una specie di maniglia che servirà per afferrarlo con la pinza da raku. Poi ho tagliato un pezzetto di 3 o 4 cm di filo di acciaio inox da 1 mm e l'ho piegato a zig zag con le pinze per bloccare la perlina infilata, e ho poi inserito l'altra estremità del filo nel cono. Trovo questa soluzione soddisfacente per due motivi: Mi piace l'idea di costruire ausili per la ceramica con l'argilla stessa, e poi il filo inox si può riusare più volte.

Tipo 2: L'altro supporto è in metallo e prevede la costruzione di una gabbia con delle staffe di acciaio zincato tenute insieme da bulloni, sulla quale si appenderanno in verticale i fili di perle infilate nell'acciaio economico da edilizia - visto che poi sarà tagliato e buttato - separate dalla solita piega a zig zag. La ragione per cui non si appendono in orizzontale è per evitare che flettendo il filo si abbassi distruggendo le perle sottostanti.

Dopo la cottura a 980/1000°C i monili si staccheranno abbastanza facilmente dai fili, anche se in qualche caso si dovrà ruotare con forza il filo per ottenerne il distacco.

Una cosa buffa che ho notato è che in presenza di umidità anche dopo cotto questo materiale continua a trasudare sali che formeranno delle crosticine antipatiche ma rimuovibili. Questo non significa però che questi sali siano sufficienti a creare nuovo smalto per un’eventuale ricottura.

Credo di aver finito con il discorso pasta egiziana, se ci fossero nuovi sviluppi non mancherò di renderli noti.

Ancora pasta egiziana Part II: impasto e foggiatura

2010-05-19T16:21:00.012+02:00

Ogni promessa è debito ed ecco il seguito del resoconto delle mie esperienze in tema di Pasta Egiziana, la continuazione della prima parte che ne descrive le generalità.

Impasto e foggiatura

Dato l'alto contenuto in silice e le conseguenti controindicazioni per la salute, è il caso di introdurre tutti gli ingredienti (la ricetta di Ceramics Monthly nel post Parte I) in un sacchetto di plastica e amalgamare lì l'impasto al chiuso, aggiungendo l'acqua gradualmente fino a ottenere una pasta lavorabile, e maneggiare poi con le mani protette da guanti. Alcune fonti dicono che convenga lasciare riposare l'impasto per ottenere una maggiore plasticità, che è già bassa in questo materiale. Per modellare si possono usare stampi e texture varie ma bisogna considerare che il dettaglio fine non sarà visibile una volta cotto, perché sarà coperto dallo smalto. Il foro della perlina io lo faccio con una punta da trapano da 1.5mm prima che sia a durezza cuoio, trovo che sia uno spessore sufficiente per infilarle come voglio. Con la pasta egiziana non serve calcolare il ritiro, che è praticamente trascurabile.

Una volta formati, gli oggetti vanno lasciati asciugare lentamente su un foglio di carta assorbente posto su una superficie impermeabile. Lo scopo è di consentire che diventino sufficientemente rigidi da poter essere movimentati e appesi sul supporto che li reggerà in forno. Se invece non importa che il lato su cui poggiano rimanga senza smalto - ne uscirà biancastro e secco - si possono lasciare asciugare completamente sulla carta. In entrambi i casi si consiglia un'asciugatura lenta che consenta ai sali di sodio dell'impasto di migrare in superficie per costituire lo smalto: questa la fase cruciale per il risultato definitivo. Si vedrà crescere una peluria di cristalli biancastri che vanno toccati il meno possibile per evitare di rovinare la superficie. La parte non a contato con l'aria - e questo vale anche per la cottura - non vetrificherà, e resterà senza colore. Se non interessa avere perline smaltate fronte e retro basterà appoggiare i monili su un piano da forno protetto da una mano di caolino liquido oppure del proprio kiln wash di fiducia (io uso caolino/ball clay 50/50) e poi cuocerle a 980/1000°C. Se invece si desidera produrre perline smaltate a tutto tondo bisognerà leggere anche il prossimo post: Supporti per la cottura delle perle.

Egyptian paste revealed - Part 1: I segreti della pasta egiziana

2010-05-19T09:59:00.016+02:00

Un paio di mesi fa ho riaffrontato l'idea di produrre perline in ceramica e mi sono ricordata della pasta egizia pronta che avevo comprato l'anno scorso negli USA e non avevo mai provato. Ho spulciato tutte le mie fonti in cerca di notizie e istruzioni per l'uso e per la verità i testi sacri ne fanno cenno solamente "en passant" in riferimento all'uso che se ne faceva nell'antico Egitto. Infatti la pasta egiziana è un impasto autovetrificante a bassa temperatura, monocottura quindi, prevalentemente turchese, già usato settemila anni fa nella costruzione di monili, perle e piccoli accessori. Ha una composizione che la pone a metà strada tra una terra e uno smalto, come si evince dalla ricetta di Ceramics Monthly:

Nefelina sienite 39%
Soda Ash 6%
Bicarbonato di Sodio 6%
Caolino 6%
Ball Clay 6%
Silice 37%

Solitamente vi si aggiunge un 2% di bentonite per una maggiore plasticità, oltre al colorante desiderato. Il turchese di rame è per l'appunto quello più noto, ma è possibile ottenere altre tonalità con altri ossidi e persino con i pigmenti pronti (mason stains. Per la verità oltre a queste notizie, dai libri non ho cavato ragno dal buco.

Mi mancavano parecchi particolari cruciali su come fare oggetti smaltati a tutto tondo: come sorreggerli in forno, con quali materiali e accorgimenti e perciò dopo aver cercato in rete - e come si sa la rete per definizione offre sempre notizie contraddittorie - ho fatto le mie esperienze con la pasta turchese di rame e quella blu di cobalto, delle quali renderò conto nei prossimi post, visto che uno solo non lo può contenere. Spero che possano essere utili a qualcuno. Nelle prossime puntate: Impasto e foggiatura, Supporti e cottura.

Nuovi mondi, nuove esperienze

2010-05-08T10:07:00.010+02:00

C'era un volta la ceramica, e già questo era un universo sufficientemente complesso, foggiatura a mano o a tornio, bassa o alta temperatura, ossidazione o riduzione, infinità di trattamenti superficiali a crudo - alterazione e deformazione, a durezza cuoio - barbottine ed engobbi,a biscotto - smalti e ogni altra diavoleria che il buon Dio ha messo sul piatto del vasaio.
Poi arrivò un numero di Pottery Making Magazine dedicato al vetro, e l'aspirante ceramista ebbe una folgorazione: con lo stesso forno da ceramica era possibile fare vetrofusione!! In realtà la nuova galassia scoperta poneva tutta una serie di problemi aggiuntivi, tempra, coefficienti di espansione, e questi richiedevano nuove ricerche e nuove sperimentazioni. Il nostro vasaio si documentò avidamente ma capì che il suo forno non avrebbe potuto gestire facilmente la nuova impresa. Scartata l'idea di acquisire un forno solo per il vetro, incappò in un marchingegno che consentiva di raggiungere le temperature di fusione in un comune forno a microonde, ed iniziò a sperimentare il nuovo medium. Produsse così degli oggettini simpatici che però richiedevano un supporto per non essere completamente inutili: cordoncini, catenine che sorreggessero i piccoli vetri.
Al solito disgustato dal dover acquistare oggetti finiti per queste imprese futili, gancetti, fermagli e quant'altro, ricordò di aver avuto in passato un interessante libro-CD, "Raku beads", che oltre a rendere conto della creazione di perle e pendagli per l'appunto Raku, brevemente spiegava come costruire le suppellettili necessarie per metterle insieme con il filo metallico. Si spalancò così un nuovo mondo che tenne occupato il nostro gepetto per qualche settimana, durante la quale egli diede vita a girocolli "hippie chic", ristrutturò gli orecchini raku prodotti in altri tempi e sondò le possibilità della rete in questo settore. Trovò una quantità di pagine e video che spiegavano come lavorare il filo d'ottone, di rame e d'argento, costruire gancetti, orecchini etc. Si affezionò così alla pagina di Alessia, una ragazza di Lecco che nel suo blog "Beads and Tricks" generosamente insegna i trucchi della specifica disciplina, il "Beading" e finalmente pensò che forse era giunta l'ora di riaffrontare le sfide della gravità e del fuoco. Tornò quindi all'argilla ed iniziò nuovamente a sperimentare con le terre, compresa la pasta egiziana, le textures e gli smalti, inventando sostegni e treppiedi, perché se vuoi una perla smaltata a tutto tondo devi trovare il modo di tenerla appesa in forno senza che tocchi nulla, e se vuoi perle raku devi trovare il sistema per movimentare le perle incandescenti senza che si incollino tra di loro. Dovette testare la resistenza dei vari fili di ferro zincato, ricotto, inossidabile per trovare la soluzione più affidabile ed economica, ma con pazienza e ingegno, ne venne a capo. Così vennero alla luce nuove stelle e nuovi soli, nuove materie prime per i nuovi giochi, i quali avrebbero dato vita a nuove esperienze e nuove conoscenze.
La storia in realtà e' molto più lunga e complessa ma questo e' l'unico modo che ho trovato di rendere l'idea. Partendo dall'argilla informe è possibile circumnavigare mondi e ritornare alla terra, la bellezza e il tormento di questo medium sta proprio nell'assenza di limiti.

Di geni e di riciclo

2010-04-26T09:47:00.010+02:00

Si lo so, questo è un blog sulla ceramica, eppure senza tradire l'argomento, vale la pena di considerare due argomenti che alla ceramica sono collegati solo marginalmente, ma che stanno alla base di qualsiasi attività artigianale: i geni e il riciclo, due entità inestricabilmente collegate. La passione per la ceramica deriva dalla necessità di produrre oggetti con le mani, di trovare soddisfazione nel lavoro manuale.

Ebbene, io ho ereditato il gene operoso sia da mia madre (“mai stare con le mani in mano”) che da mio padre (falegname e inventore), il che significa che dispongo di un intero corredo genetico operoso. Sarà per questo che quando vado alla ferramenta mi comporto come un bambino in un negozio di giocattoli?? Sarà per questo che l'unico ricordo che ho di essere andata in profumeria è di quando sono andata a comprare un profumo per la festa della mamma? Certe volte quasi riesco a comprendere perché le donne “normali” mi guardino con un misto di ammirazione e di compatimento. Le mie mani non sono quelle di una mondina ma certo non sarebbero candidate per uno spot di materassi (avete presente quelli in cui le signorine accarezzano con mani affusolate ed espressione rapita il famoso tessuto losangato lato invernale?).
Sono una sostenitrice del “fatto a mano” perché ogni cosa fatta a mano trasmette un pezzettino d’anima. Sono inoltre impermeabile al culto del marchio, perché e i processi industriali sono la negazione dell’anima. Nella mia limitata esperienza di mercatini (ne ho fatti 3 in 10 anni) mi sorprende sempre la ricorrente indifferenza femminile rispetto all’artigianato, soprattutto quando si tratta di ceramica funzionale (Non ha un marchio, fosse anche Tupperware, non ce lo voglio nella mia cucina). Sono rare le eccezioni, mentre i maschi, generalmente non interessati alla stoviglieria, hanno il piacere di osservare “come” gli oggetti sono fatti per capirne il processo. Ecco, qui darei soddisfazione al mio papà che voleva che il suo secondogenito fosse un maschio: a me interessa capire “come” le cose sono fatte. Il mio taccuino mentale è zeppo di cose che vorrei provare a fare con una quantità di materiali, stoffa, carta, legno, ferro, vetro, ceramica. Ed è per questo che sono in grado di spendere ragguardevoli quantità di denaro per acquistare non i prodotti finiti, ma i materiali e gli attrezzi con cui realizzarli (o almeno tentare di farlo). Ma la massima libidine dove la trovo? Quando non devo acquistare le materie prime e l'attrezzatura e posso applicare i miei geni (ed ecco che torniamo all’argomento di partenza) al riuso di materiali di fortuna, riciclare scarti e scampoli avanzati per ottenere qualcosa di utile e bello. E qui la rete mi viene incontro, perché il riciclo è di grande moda, e ci sono quantità di siti che ti insegnano a costruire scatoline e perline con la carta usata, mini serre con le lampadine bruciate e una quantità di altre idee. Ci sono quantità di mostre ed eventi dedicati al riciclo di materiali, come per esempio le collane di bottoni di Chiara Trentin, recentemente balzata alla notorietà in questo settore.
Ecco, questa lunghissima digressione solo per dire che di recente ho preso in mano il mio taccuino delle esperienze da fare e mi sto divertendo un mondo con il vetro, i metalli e l'argilla, con i quali sto costruendo collane e orecchini come quelli che vedete in foto. Nei prossimi post magari lo spiego nel dettaglio.

San Diego e Lana Wilson

2010-04-25T11:11:00.018+02:00

Questo è il resoconto, per la verità alquanto tardivo, di un evento epocale: il mio primo corso di ceramica. Quasi dieci anni di sperimentazioni, letture e di navigazione in solitaria nelle insondabili acque dell'arte mi ci sono voluti prima di questo momento. Laboratorio di tecniche costruttive con Lana Wilson, apprezzata e pubblicatissima artista residente nella zona di San Diego, per l'appunto la sede del corso. Mi sono davvero sentita come al mio primo giorno di scuola, arrivando con la mia biciclettina e il pranzo al sacco. Lana è un turbine, un'affabulatrice. Mentre dimostra con una generosità che non mi aspettavo tutti i trucchi delle sue vecchie e nuove tecniche Lana racconta storie ed episodi della sua vita di insegnante e del suo passato. Tra questi lo scetticismo della sua famiglia d'origine rispetto alla sua carriera di artista, in particolare i candidi commenti di sua madre, il giudice più severo per la ceramica funzionale: una casalinga. Lana ha fatto la production potter e l'insegnante per molti anni prima di convertirsi alla costruzione manuale. Abbandonando il tornio ha anche rotto i ponti con i vincoli funzionali e si è dedicata esclusivamente alla sua idea di bellezza applicata all'argilla. Un approccio in cui la spontaneità non scende a compromessi e si esprime in piena libertà grazie alla padronanza del mezzo acquisita in una vita di disciplina. Uno stile vagamente barocco un po' contro corrente, ma estremamente comunicativo, pieno di simboli e rimandi a una religiosità molto new age, molto californiana per l'appunto. Le tecniche illustrate sono state essenzialmente la lavorazione a lastra morbida con impressioni di ogni genere, timbri, oggetti casuali, incisioni e la sovrapposizione di engobi colorati con la quale mi sto divertendo, con esiti alterni, da quando sono tornata. Ha costruito davanti a noi scatole, teiere, e piatti e complessi oggetti articolati con porte e cassetti. I partecipanti al corso erano di tutte le età, dal ragazzino all'ottantenne, con l'ovvia e solita prevalenza femminile, ma molti tra i presenti erano in realtà ceramisti di professione che non si sono fatti mancare l'occasione di imparare un gioco nuovo, perché è la dimensione ludica e spontanea la dominante nel lavoro di Lana. Nemmeno a me mancherà materiale per giocare per un bel po'.

La lezione di Kristen Kieffer

2010-03-30T11:00:00.008+02:00

Ieri mi è arrivato il dvd "From Suede to Leatherhard" di Kristen Kieffer e non ho resistito alla tentazione di guardarlo durante l'orario lavorativo. Per un'ora e ventitre minuti mi sono persa tra il violino di sottofondo e la morbidezza delle decorazioni a barbottina che caratterizzano il lavoro di Kristen. Magari non sarà la mia ceramista preferita, ma sicuramente il suo stile neo vittoriano, ricco di dettagli e di sovrapposizioni tono su tono, incarna uno degli estremi da cui sono attratta. Da un lato la precisione, i particolari, la pianificazione preventiva di ogni aspetto della superficie ceramica, dall'altro la spontaneità, il gesto sciolto, l'accoglienza dell'imperfezione in quanto caratterizzante e caratteristica dell'opera fatta a mano. Tra questi due opposti si svolge la lotta per la ricerca di uno stile, di una voce che si materializzi nell'argilla. E in termini tecnici, si tratta di decidere a quale stadio della creazione si desidera maggiormente esprimere questa voce, o alterare la superficie. Risolvendo il problema colore con un unico smalto che viene lasciato libero di giocare sul rilievo, l'estetica di Kristen propone di sfruttare a fondo due momenti dell'indurimento dell'argilla: il cosiddetto Suede, letteralmente la durezza "camoscio", ovvero ancora plastica ma non appiccicosa, fase in cui è ancora possible alterare la forma per pressione e con l'uso di timbri, e Leatherhard, la classica durezza cuoio su cui procedere con l'aggiunta di barbottina secondo le modalità più varie (a siringa, spugna, pennello ecc.). Kristen insegna tutte queste tecniche, come costruire i timbri e stampi per lo sprigging, come utilizzare ben 11 tecniche per la decorazione della superficie, dimostrando inoltre come queste trovino spazio nel suo processo creativo. Una quantità di nuove esperienze da fare, nell'eterna ricerca di una voce personale.

Berkeley e Fourth and Clay

2010-03-28T20:36:00.007+02:00

Berkeley, famoso centro universitario, è un luogo magnetico per i ceramisti ed è un grosso nodo nel mio fazzoletto di viaggiatrice. Ci devo assolutamente tornare durante il fine settimana perché è nei giorni festivi che i molti studi di artisti sono aperti al pubblico. Ragionandoci sopra ho concluso che è forse proprio la presenza dei college ciò che consente agli artisti di campare da queste parti, probabilmente unendo la sicurezza economica di un posto di lavoro come insegnante (e un'assicurazione sanitaria prima che Obama riesca a varare la riforma) alla libera professione.

Come invidio la possibilità di imparare la ceramica in ogni ordine di scuola che l'America offre. Scuole medie con meravigliosi laboratori attrezzati e insegnanti specifici, lauree in arte ceramica ovunque quando da noi si combatte perché i tradizionali centri della maiolica - Faenza e Nove per tutti - non perdano le loro scuole professionali, tanto rare come agonizzanti o già defunte in tutta Italia. Da noi sarebbe un totale paradosso che un centro del sapere e della ricerca come Berkeley sia anche un polo della ceramica. Quando mai da noi si userebbe la parola cultura e la parola ceramica nella stessa frase??

A Berkeley ho visitato Fourth and Clay, lo studio condiviso da tre splendide e intraprendenti donne: Rae Dunn, Christa Assad e Josie Jurczenia. Tre stili totalmente diversi e tre spiriti liberi.
Il lavoro di Christa è assolutamente impressionante. Recentemente pubblicato sui mensili americani e celebrato dai colleghi, da prova di una padronanza a tutto tondo del mestiere, del tornio e della lavorazione manuale, nonché una visione estremamente moderna della ceramica funzionale. Un raro esempio di artigianato incrociato con il design che mette d'accordo gli addetti ai lavori della ceramica e gli intellettuali del design. Berkeley è decisamente un posto da rivedere con calma.

Oakland e Whitney Smith

2010-02-07T10:06:00.006+01:00

Secondo la Lonely Planet Oakland sta a San Francisco come Brooklyn sta a Manhattan. Io non lo so se l’analogia calzi perfettamente, ma sull’altra sponda della East Bay, al di là del Bay Bridge, tira un’aria diversa, meno metropolitana e più americana nel senso più alto e nel senso più basso del termine. Siamo a Oakland perché qui i prezzi degli alberghi sono umani ma soprattutto perché questo sarà il teatro della realizzazione della mia vita virtuale: sono venuta a trovare Whitney Smith, una ceramista moooooolto brava che ho conosciuto in rete. Non ricordo come sono arrivata al suo blog, ma un po’ attratta dalle forme perfette dei suoi lavori e un po’ perché scrive veramente bene ho sviluppato un certo grado di dipendenza rispetto ai suoi post. Quando sono in ufficio, a mo’ di pausa caffè – non abbiamo il gas da anni in ufficio e tantomeno il caffè - magari non ogni giorno ma almeno un paio di volte a settimana, faccio un giro dalle sue parti per vedere se ci sono novità. Whitney non ha fatto la scuola d’arte all’americana per i percorsi consolidati che formano gli artisti. Lei ha studiato antropologia e ha fatto un po’ la zingara prima di essere traffitta dal morbo della ceramica. Ha fatto un tirocinio presso un laboratorio ed ha scoperto che la sua sensibilità e quella dell’argilla si complementano a perfezione. Ha il suo studio ad Oakland da una quindicina d’anni e produce oggetti d’uso in porcellana e gres che si richiamano alla sua fascinazione per la natura. Papaveri, foglie, fiori e boccioli scavati su forme perfette realizzate a tornio sono il segno di una produzione che lei ama definire organica. In realtà io apprezzo invece molto di più le sue forme più spoglie e meno manipolate in superficie, i suoi pods e le sue scodelle fior di loto a matriosca, prodotto di una grande destrezza nell’uso del tornio. Whitney è arrivata a ricevermi in bicicletta, lottando contro i dislivelli di queste inclementi città californiane, ed è stata estremamente generosa nel farmi visitare il suo studio, nel farmi da guida tra i suoi lavori e le sue attrezzature, raccontando dettagli tecnici e risvolti del mestiere. E’ una donna concreta con una forte capacità imprenditoriale, ed io credo che sia proprio questa la chiave del suo successo in questo settore: talento e concretezza. Whitney è stata invitata a tenere un corso alla Meridiana di Certaldo, in settembre. Mi piacerebbe molto averla ospite da queste parti.

Di Clam Chowder e di Pueblo Pottery

2010-01-24T23:45:00.004+01:00

Il museo De Young spunta come un enorme pezzo di porfido sul verde del Golden Gate Park. E’ una struttura avanguardistica con una torre, occupata da uffici, che sembra un parallelepipedo attorcigliato su se stesso. Facciate a vetro riflettono la luce e confondono gli uccelli al punto da dovere essere coperte con reti che impediscono ai volatili di schiantarsi.
Il Museo contiene una piccola ma notevole collezione di pueblo pottery, oggetti della tradizione indigena degli Stati del Sud decorati a engobbio con pennellate minute e precise o fluidi pattern nei colori della terra, oppure con lucide superfici nere affumicate che si contrappongono a decorazioni opache nero su nero.
Sensuali superfici brillanti strofinate a pietra o a stecco con un lunghissimo lavoro manuale come quello di Magdalene Odundo. La collezione di arte contemporanea comprende due opere di Peter Voulkos, la collezione di arte precolombiana latinoamericana e degli splendidi esempi di ceramica d’uso figurativa, tra i quali mi ha impressionato una coppa monocroma affumicata con decorazione in bassorrilievo.
Per la cronaca, altro punto saliente della visita a San Francisco, il clam chowder, è la zuppa di vongole alla maniera della città, un denso intruglio biancastro servito in crosta di pane di pasta acida. Cosa ne penso? Preferisco le ostriche.

Potter pride

2009-10-07T17:15:00.024+02:00

Di recente ho letto una intervista a Ayumi Hori, per sua ammissione “vasaia”. Certo la parola inglese potter evoca assonanze che l’italiano sminuisce. La parola vasaio in italiano anzi trasmette un senso di tradizione non attuale, nel migliore dei casi di mestiere superstite, di fossile vivente. In italiano è preferibile il termine ceramista, e di conseguenza si mette l’accento sul materiale, non sulla funzione dei manufatti. Guai invischiarsi con una connotazione funzionale per la quale si rischierebbe di essere declassati.

Per gli artigiani anglosassoni esiste una sorta di “potter pride” che richiama sia l’antica tradizione che le rielaborazioni contemporanee della Studio Pottery. Da noi invece c’è il basso artigianato del produttore di manufatti d’uso, il vasaio, da una parte, e dall’altra il ceramista, l’artista della ceramica per il quale la funzione è secondaria se non controproducente. Siamo costretti a parlare addirittura di artigianato artistico, cosa che complica ulteriormente il panorama, per non confonderci con tutti gli altri abitanti della confartigianato, parrucchieri, idraulici ed altre degnissime professioni.

Fin qui una digressione linguistica che è molto probabilmente una deformazione professionale (noi traduttori siamo programmati per interrogarci sulla trasposizione delle idee in altre lingue ed altri ambienti). Ad ogni modo Ayumi Horie, per l’appunto vasaia, potter, si proclama tale con fierezza per il desiderio di evitare ogni autocompiacimento e per richiamarsi alla tradizione fin dalla definizione.

Qualsiasi essere umano, ad ogni latitudine ed in ogni momento storico ha sempre e immediatamente compreso che cosa fa un vasaio. Ed Ayumi Horie vuole essere parte di quell’evoluzione, di quel percorso. Plasmare oggetti d’uso in argilla oggi significa interpretare con gli strumenti odierni un’esigenza e una pratica che risalgono alle origini dell’umanità. Servirsi della terra, foggiandola con le mani, per ottenere manufatti che adempiano alle funzioni primarie dell’essere umano. Possibile che ci sia da sentirsi sminuiti se ci chiamano vasai?? A proposito di Ayumi Horie, vale la pena di vedere come da forma alle sue forme a tornio. http://www.youtube.com/watch?v=CXLfq0iaSXI In foto una mia Brocca con bicchieri yunomi-style, lavorazione a tornio con modifiche, decorazione a barbottina, vari smalti sovrapposti, bassa temperatura.

Quelle piccole grandi soddisfazioni

2009-09-12T12:02:00.009+02:00

Oggi il bicchiere è mezzo pieno.
Per quanto rare nella vita di un solitario ceramista, qualche volta le soddisfazioni arrivano. In questo caso non si tratta di una vittoria eclatante, di un premio o di un'impennata nelle vendite. Si tratta piuttosto di un commento lusinghiero fatto da "qualcuno che se ne intende". Nella fattispecie il complimento qui è venuto dal mio socio in affari, un altro spirito libero dai molti e variegati talenti, qualcuno che ha fatto il ceramista professionalmente quando da queste parti la parola raku era ancora sconosciuta e confusa con la gastronomia giapponese, qualche decennio fa. Curioso e incostante per natura, il socio al tempo sperimentava liberamente nell'universo ceramico, costruiva forni, formulava smalti, padroneggiava la tecnica. Per questo quando ci si incrocia in ufficio e io entro in argomento, magari ancora inebriata dalla mia ultima minuscola scoperta, che ne so, uno smalto variegato, una forma ardita, la foto di un oggetto ben riuscito, epifania dei poveri, di norma la risposta che ricevo è "been there, done that". Vale a dire "sì, l'avevamo già fatto vent'anni fa, ma come, non lo sapevi?" Un bonario bicchiere d'acqua fredda lanciato contro il mio entusiasmo.
Ebbene questa settimana il maleficio si è spezzato. Ho fatto vedere l'interno di questa ciotola con la combinazione di smalti che io chiamo "laguna 69", bassa temperatura, forno elettrico e finalmente il socio ha pronunciato le parole magiche "Questo sì che è un bello smalto".
Non è il Pulitzer per la ceramica, ma per ora mi accontento.

Se hace camino al andar

2009-09-10T17:39:00.010+02:00

Machado diceva "Golpe a Golpe, verso a verso, se hace camino al andar" (Colpo dopo colpo, verso dopo verso, la strada si fa mentre si cammina). Si procede a piccoli passi, si inciampa e si avanza anche quando sembra di essere fermi.
Nella fattispecie la vita del ceramista in erba è parca di soddisfazioni. Sarà perchè in questa società industrializzata e di consumo l'artigiano è un anacronismo, sarà perché pochi riescono a concepire l'ostinazione che serve per inseguire una passione così impegnativa. D'altronde, si sa, la passione è come l'esperienza, difficile da trasmettere. Riesce vagamente avvilente constatare che ciò che a me costa fatica e tempo spesso non significa molto per chi non capisce il lavoro manuale o semplicemente non conosce (sopratutto se ama circondarsi di marchi e di firme).
Questo è un percorso lungo, solitario e scarsamente condivisibile. Un conto è condividere un viaggio, un altra storia è vedere le foto di un giro in cui non si è stati, non si può pretendere più di tanto trasporto. Per questo forse non trovo l'entusiasmo che mi aspetto. Per questo qualche volta mi succede di dispiacermi quando non trovo incoraggiamento. Certo il dispiacere non dura molto e questo viaggio subito mi stuzzica con un'altra esperienza, una nuova tecnica da provare, un'idea improvvisa, uno scarabocchio su un pezzo di carta che mi fa tornare la voglia di rimettere le mani in pasta. Si riparte per altra destinazione.

Me ne frego se non si capisce, a me questo viaggio piace un mondo.
PS. Allego foto di due paesaggi che mi sono piaciuti molto.

Pindolmaker

2009-07-29T17:16:00.009+02:00

Una breve nota per tranquilizzare tutti i miei lettori (tutti e due). Per coloro che si stanno ancora chiedendo che ne è stato dei pindoi raku, lippe raku o comunque vogliate chiamarli/e costruiti due settimane fa, buone notizie: sono stati ultimati e sono venutibenissimo. Quattro erano colorati a engobbio e quattro a smalto, con le basette (intendendo piccole basi) nero opaco in pieno stile raku. Quelli a engobbio sono moooooolto belli, molto cavillati, poiché pare che la curvatura incoraggi la formazione del craquelé. Quanto agli altri quattro, due hanno dato una riduzione interessante, e due sono venuti in perfetta ossidazione. Tradotto per i non capenti, uno ha una superficie metallica, un altro delle striature rosse, il terzo non ha dato il metallo atteso dal turchese di rame bensì un turchese matt, e l'ultimo anziché rosso sangue di bue o metallico per il 3% di ossido di rame, è venuto verde, pas mal ma verde insulso. Questi ultimi due li avrei scartati ma i committenti hanno deciso che vanno benissimo lo stesso. Quindi, per vederli di persona non resta che presenziare alla premiazione del "Primo Torneo Internazionale di Pindol Città di Feltre", sabato 01-08-09 in Piazza Isola: sarò presente in qualità di autore degli agognati trofei, nonché di cameriera al banco della birra.

Strings attached e diritto dell'artista

2009-07-19T10:22:00.007+02:00

Detesto rimangiarmi la parola, e quindi sono molto infastidita dalle persone che dicono che faranno delle cose come se fossero ormai fatte, solo per dimenticarsene subito beatamente. E' parte del mio carattere, probabilmente un residuo atavico di cromosomi fuori tempo massimo, cosa d'altri tempi. Io ho un posto nella mia mente in cui tengo nota di ciò che ho detto e a cui non ho tenuto fede. Perciò qui intendo porre rimedio agli annunci proclamati in post precedenti e rendere conto di:
1. che ne è stato del puzzle dell'ultima cottura raku, cosa ormai dell'autunno scorso.
L'idea era brillante, come lo sono tutte le idee nella mia mente, specialmente quando sotto l'effetto di sostanze mood-altering (caffeina compresa). Si trattava di fare un telo con tasselli di semirefrattari spruzzati di ossidi e cotti a raku poi legati con il filo di rame. C'era stato un precedente altamente gradito dai destinatari, un prototipo 30x20 bluastro con un'unica variazione in rame metallico che io non ho trovato particolarmente entusiasmante, ma che per l'appunto, era piaciuto molto. Ho tentato quindi un'impresa di più ampio respiro, 50x50, con una spirale grande a riserva di cera e ossidi localizzati. Prima della cottura il concetto grafico era così ovvio che mi è sembrato superfluo contrassegnare i tasselli (cosa che avrei dovuto fare ancora a crudo) per la successiva ricostruzione. Ma si sa, il fuoco vuole la sua parte, e una volta estratti dal secchio della postriduzione i tasselli erano interessanti, rame metallico sparpagliato (boy we have copper) e interessanti contrasti con il nero della carbonizzazione. Quindi, il colpo di scena: ho scoperto di essermi lasciata alle spalle la parte più facile, il duro era rimettere insieme i pezzi. Posto che io sono nota per essere incapace di fare i puzzle e per la mia totale inabilità nei giochi di società, non mi che resta dire che il puzzle è rimasto sul tavolo di casa mia per due lunghe, lunghissime settimane, in attesa del contributo alla ricostruzione dei passanti, nipoti e morosi delle stesse, cugine e relativa prole e di chiunque altro vi si trovasse a circolare, idraulico compreso. Ho speso le serate, e parte delle nottate di quelle due settimane a trovare un senso alla spirale, e quando ne sono venuta a capo ho scoperto che mi avanzava una fila di tasselli. Ho risolto l'enigma esercitando il diritto dell'artista: è così perche lo dico io.
Il manufatto ha destato un discreto interesse alla mostra dell'artigianato. C'è stato addirittura un potenziale cliente (poi "liquesosi", ma non perdiamo le speranze) che l'ha ammirato descrivendolo come, cito letteralmente, "molto craneosacrale". Che avrà voluto dì????

Una chiosa sul "pindol"

2009-07-12T09:20:00.011+02:00

La lippa è un antico popolare italiano che risale al "XV secolo". È noto con questo nome in Toscana e altre regioni, ma ha anche diverse denominazioni dialettali: per esempio a Brescia è noto con il nome di "ciancol", a Verona come "s-cianco", a Treviso come "pito", a Mantova come "s-ciancol", a Mede come "ciaramèla", a Ferrara come "Bac e pandòn", a Venezia come "pandolo" o "massa e pandolo" (in tempi moderni "mazza e pindolo"). La pratica della lippa s'è diffusa in varie nazioni europee quindi periodicamente si disputano tornei internazionali a livello agonistico. A Conza della Campania in provincia di Avellino si chiama "mazza e pieuz". A Roma "nizza". Fin qui Wikipedia, liberi di saltare questo primo paragrafo se siete già edotti.
Invece a Feltre si chiama Pindol, ma mi dicono che a Cesiomaggiore è noto come Mago. Si gioca con due pezzi di legno, generalmente ricavati dai manici di una scopa, uno di circa 15 cm (il pindol) in lunghezza con le estremità appuntite, l'altro lungo circa mezzo metro (la mazza).
Premesso che, pur avendone visto qualche partita, le regole del gioco mi sono ancora oscure (come peraltro quelle del baseball di cui fui inebetita spettatrice a Los Angeles in gioventù; chiosa alla chiosa, è la prima volta che scrivo la parola gioventù riferendomi al passato: orrrrrrrore...) il mio nome resterà inciso nella storia del Primo torneo di Pindol "Città di Feltre" per aver realizzato i trofei, A FORMA DI PINDOL http://www.magozerobot.com. Questa è la commissione, the assignment. E qui si torna alla ceramica. Come si fa ad ottenere degli oggetti a forma di pindol, cilindretti con le estremità coniche in materiale adatto alla cottura raku? La prima idea è stata ovvia: si rulla un salsicciotto di refrattario e se ne modellano le punte. Scarsamente praticabile con spessori di 3, 4 cm, almeno perché venga qualcosa di decente. Poi c'è per l'appunto il problema dello spessore... come evitare che scoppi in cottura o in post riduzione? Stravolgendo la prima idea e costruendo un cilindro a lastra, a cui applicare i coni in semirefrattario fatti a tornio!!! EUREKA!!! I punti deboli sono le saldature, ma con un po' di fortuna e un margine di sicurezza, riuscirò ad ottenere i 4 manufatti richiesti. Ultima considerazione: il gioco è già cominciato: ci gioco io con l'argilla e gli smalti, ci giocherà il fuoco sulla superfici. Oggi ne costruisco altri quattro, non si sa mai, per il resto, speriamo bene!!!

Digestione lenta

2009-07-11T09:08:00.007+02:00

Mi ci sono volute due settimane prima di affrontare di nuovo la ceramica. Sarà che ho la digestione lenta, sarà che la scorpacciata della Mostra dell'artigianato non ha portato una grande sferzata di entusiasmo... Beninteso, è andata bene, anche meglio dell'anno scorso, lo stand era persino più carino, le mie cose erano di qualità migliore e la nuova produzione più coerente. Peraltro ho resistito strenuamente alla stanchezza e alle contrarietà senza farmi cogliere dall'emicrania (fino alla domenica successiva)... Ma il fatto che mi preoccupa, anche se mi rallegra sul piano personale, è che i miei clienti sono i miei amici e i miei congiunti. Sono stati così carini da esternarmi il loro apprezzamento portandosi a casa le mie ceramiche. E io gliene sono enormemente grata, anche perché in alcuni casi potrò rivederle a casa loro e mi riempie di gioia sapere che saranno utilizzate da persone a cui voglio bene. Ma d'altro canto questo mi fa temere che questa storia rimarrà un hobbie, anche se impegnativo, ed io dovrò continuare a tradurre frigoriferi, lavatrici e barriere paramassi per vivere e potermi concedere una casa e il lusso di avere un hobby.
Eppure alcuni obiettivi sono stati centrati: ho conosciuto delle persone nuove che apprezzano il mio lavoro, ho trovato due allieve - cosa che in sé per me potrebbe essere un impiccio visto che non mi piace insegnare, ma almeno mi apre una forma di condivisione possibile - e poi ho svuotato un po' i miei scaffali e fatto posto per quello che verrà. E tra ciò che verrà c'è la produzione dei trofei per il torneo di pindol, mago, lippa o comunque si chiami il progenitore del baseball, che mi sono stati commissionati dai miei bizzarri amici. Ma questo è ormai un altro post.

Ancora la Mostra dell'artigianato di Feltre

2009-05-23T08:42:00.000+02:00

In questi ultimi tempi ho fatto molto e detto poco, e questo per un ceramista (o aspirante tale) potrebbe solo essere un pregio. Mi sono concentrata sui pezzi che ritenevo più rappresentativi del mio ultimo periodo e ho fatto un'ultima settimana di concitate cotte di smalto a 1020°C. Ne parlo un'altra volta, perche di novità ce ne sono. Per ora solo una foto e un invito a porte aperte: Stesso luogo, stessa spiaggia stesso mare, domani sabato 27 e domenica 28 fino a mezzanotte. Per ora a parte il tempo VENITE A TROVARMI!!!!

Voglio essere Silvia Potter!

2009-04-14T18:39:00.006+02:00

Momento di sfogo. Adesso che ho capito cosa voglio fare da grande (la ceramista, non si era capito?) trovo veramente frustrante dovere continuare a fare tutto ciò che il mondo si aspetta che io faccia (lavorare, gestire le questioni famigliari detto in sunto, per non allungare la lista fino alla nausea), dovendo ancora rubacchiare il tempo per fare ciò che in realtà sarebbe già un lavoro di suo. Faccio fatica a sviluppare progetti di più ampio respiro perché sono sempre di corsa. Mi diverto veramente di rado perché in realtà sto già pensando a ciò che avrei dovuto fare, col conseguente anche se vago senso di colpa. Sono prossima ad un incrocio, ma nel frattempo devo mordere il freno, respirare profondamente e continuare a ceramicare nella mia testa. Allego una foglia come augurio di buona primavera.

Ceramica negli Stati Uniti

2009-01-20T20:06:00.006+01:00

Questo viaggio invernale ha decisamente portato diversi sviluppi in tema di ceramica. Ho visitato un centro per le arti visive nei pressi di Kahului nell'isola di Maui (Hawaii) e li' ho visto al'opera un paio di ceramisti texani; ho visto il lavoro di taluni artigiani hawaiiani (i centri turistici pullulano di negozietti di artigianato che loro chiamano "galleries" decisamente scavalcando la staccionata che divide l'artigianato dall'arte); ho avvicinato il vulcano Kilauea in eruzione e ho osservato le tracce del suo lavoro raku sulle pendici dei crateri, resti di pirite dorata su nera lava. Incredibile quanto la geologia abbia in comune con la ceramica. Ho anche scoperto che i laboratori di ceramica sono propensi agli incendi, verificando di persona cosa resta di essi dopo il disastro. Ho preso un sacco di appunti mentali su spunti che vorrei sviluppare, ma soprattutto, ho visto a Pomona, presso l'American Museum of Ceramic Art (AMOCA) lo straordinario lavoro congiunto di Tom Coleman e Frank Boyden. Coleman e' un maestro nell'uso del tornio e nella formulazione degli smalti. Boyden incide straordinarie figure sulle superfici tornite, evocative di elementi naturali, pesci e uccelli specialmente, mentre altre volte traccia sulla creta riflessioni filosofiche sulla vita e la morte. Gli artisti testimoniano di una collaborazione estremamente rispettosa delle proprie individualita' che si traduce in opere di grande suggestione.

E si dirà che ho fatto la civetta...

2008-11-20T19:34:00.005+01:00

In realtà ne ho fatta più di una, perché il mio batterista Heinz mi ha chiesto di fare "qualcosa" con una civetta per il compleanno di sua moglie. E allora mi sono documentata, ho visto civette di ogni genere in rete, anzi forse alcuni erano guffi ma avrei fatto fatica a capire la differenza. E il primo risultato è stata la civetta sul manico della brocca, nulla di straordinario, ma la schiena della civetta si è dimostrata un ottimo aiuto per la presa dell'oggetto.

Poi sono venuti i portacandele con le famigliole di rapaci notturni non meglio determinati, ma la sfida maggiore è stata la modifica di un vaso tornito per ricavarne le fattezze da civetta, deformandolo, tagliandone la parte superiore e poi aggiungendo i soliti particolari. Probabilmente, come al solito, mi è piaciuta più l'idea che l'oggetto finito.

Stoke-on-Trent

2008-10-20T16:56:00.003+02:00

In agosto abbiamo fatto un giretto per l'Inghilterra e il Galles, ed io non mi sono fatta scappare l'opportunità di buttare un occhio nel museo della ceramica di Stoke-on-Trent. Stoke è il nome della città che fu il centro della ceramica dello Staffordshire, sede delle celeberrime Wedgewood potteries. Volevo fare un giretto senza grandi aspettative, perché mi aspettavo una retrospettiva della ceramica tradizionale, un po' come i nostri musei della maiolica, per i quali ho un rispetto direttamente proporzionale all'interesse che mi suscitano. E infatti ho esaminato senza grande coinvolgimento una quantità di ceramiche riccamente decorate con motivi classici greco-romani persino sorridendo, ancorché tiepidamente, davanti alla brocca-guffo di cui lo Staffordshire va tanto fiero. Ero soddisfatta già dinanzi alle ceramiche tedesche al sale con la loro superficie maculata che mi hanno risvegliato dalla monotonia . Mi avviavo ormai alla fine pensando di avercela fatta a ritornare alla macchina prima della scadenza del disco orario quando, alas! , mi sono imbattuta nelle ultime due sale dedicate alla Studio Pottery: la ceramica del ventesimo secolo. Ho visto una straordinaria collezione di opere ed ho apprezzato dal vero il lavoro dei miti della ceramica del 900: Bernard Leach con la sua ceramica orientaleggiante e il suo simmetrico Shoji Hamada con i suoi servizi da tè in stile inglese; la tanto ammirata Lucie Rie con i suoi caratteristici gialli, Hans Coper, Michael Cardew. I nomi dei miei libri!!! Un'esperienza mistica costatami trenta sterline di multa che ho pagato volentieri (o quasi).

Mea culpa

2008-10-17T18:26:00.005+02:00

Non ho più aggiornato ma non sono stata oziosa. Ho prodotto una quantità di oggetti in terracotta, che prossimamente vedranno la luce smaltati, visto che L'IMPIANTO FOTOVOLTAICO FUNZIONA. Con il cielo completamente coperto oggi mi faceva mezzo KW. Mica male eh?
Sto quindi per riprendere gli smalti a bassa temperatura, visto che gli amici mi chiedono di poter usare le stoviglie che aspettano da mesi. E poiché questo è solo un mea culpa, cito solo gli argomenti di cui mi occuperò nei prossimi post:
- visita al museo di Trent-on-Stock, Staffordshire: grandiosa collezione di Studio pottery (ceramica contemporanea per i neofiti)
- lavoro a tema: le civette
- unica cottura raku dell'anno (per ora) e relativi risvolti psichici e socio-culturali.
Approfitto per inserire una foto tratta dalla cottura raku di cui riferirò nelle prossime.
E' un piatto fatto in semire a tornio, ricoperto di sigillata e lavorato con la riserva di vera e sovrapposizione di smalti. L'intersezione ha dato uno splendido marrone variegato. Soliti misteri irrisolti e non replicabili.

Ite, mostra est

2008-07-11T10:00:00.009+02:00

Sono stati giorni intensi, ma ne valeva la pena. Ho fatto la mia prima apparizione alla Mostra dell'Artigianato Artistico e Tradizionale Città di Feltre. Uno stanzino angusto all'ingresso del Palazzo Zugni, XVI secolo, posto nella straordinaria cornice di Piazza Maggiore. Le mie ceramiche su scaffali di fortuna - nel senso che è una fortuna che ci fossero - la sapiente illuminazione ideata dal Dott. Rota, tre gerani ed ecco l'allestimento: più olio di gomito che dispendio di mezzi. Ma l'effetto d'insieme era a dir poco commovente e metteva in valore i pezzi in maniera quasi inaspettata, con in più lo splendido colpo d'occhio del settore raku sulla rampa di scale.
Soddisfatta? Assolutamente sì. C'è un futuro per le mie ceramiche? Non ne ho la più pallida idea, ma almeno ora so che ci posso provare.

It never rains but it pours

2008-06-24T16:39:00.005+02:00

Qui diciamo invece "O sec, o brentana": O è secco o diluvia. Mesi senza avere il tempo di scrivere un post e poi addirittura due nello stesso giorno. Il fatto è che sto smaltando e infornando a nastro per la mia prima mondiale, e quindi continuo a riflettere sui risultati e a immaginare le prossime mosse. Sono usciti abbastanza bene due pezzi importanti, foggiati e costruiti dopo aver visto i video di Fong Choo su you tube. Due piccole teiere fatte a tornio, modificate e assemblate con pezzi quasi fuori scala. Blue dumbo non ha problemi né sul piano estetico né su quello funzionale, ma per qualche motivo che non riesco a capire, l'ho smaltata blu eppure me l'ero immaginata verde. Quindi mi ha deluso. E' un gioiellino perché il becco è spiralato e il coperchietto farà 3 cm di diametro, ma mi ha deluso. Magari riguardandola riesco a farci pace.
L'altra era una bella sfera a cui ho aggiunto un beccuccio piccolo e dei piedini arricciati. Qui il problema è la decorazione a barbottina con deflocculante. Le bolliccine in qualche caso diventano dei piccoli crateri. Per il resto lo smalto ha delle bellissime ombreggiature blu viola. Ma ci sono un paio di craterini. C'è sempre un ma.. O quasi sempre. Mi incupisco ma poi mi consolo pensando che gli oggetti industriali fatti in serie non hanno di questi problemi.

La brocca rossa

2008-06-24T10:44:00.005+02:00

Poteva essere una schifezza, e invece è una meraviglia. Si allontana dal resto del repertorio perché NON E' TONDA. Fu cilindrica in realtà, prima che io schiacciassi, tagliassi e rattoppassi allegramente cercando di costruire il manico. Lo smalto eccessivamente liquido ha poi dato le ombreggiature della superficie. Farò fatica a separarmene, anche perché non so se riuscirò a rifarla.

L'avevo detto prima io

2008-06-23T09:49:00.002+02:00

La settimana scorsa mi è arrivata la newsletter di Ceramic Arts Daily e indovina? Un ceramista svela i suoi trucchi per la produzione di superfici interessanti in forno elettrico a cono 6 (1200°C). La cosa buffa è che praticamente ripete le mie conclusioni (vedi post precedente).
Il forno elettrico gode di una pessima stampa presso i ceramisti anglosassoni, per non parlare poi della bassa temperatura: bassa temperatura in forno elettrico è l'opzione meno entusiasmante possibile. Qualcuno però trova che la piattezza e la relativa prevedibilità dell'atmosfera ossidante possano essere usate a proprio vantaggio, e per questo ringrazio Richard Zakin e il suo "Electric Kiln Ceramics". Certo, se potessi passare tutto il giorno a prendere il sole mentre controllo il forno a gas adorerei giocare con la fiamma viva e la riduzione. Purtroppo i tempi non sono ancora maturi, e mi devo accontentare di trovare il tempo per smaltare i pezzi e infilarli in forno, programmare il controllore, accendere e sperare bene...
Il che tutto sommato non fa proprio schifo, visto che in questo modo posso fare più cotture in una settimana e soprattutto perché ho trovato il modo di dare alla superficie una variabilità che a volte mi sorprende. Non ho mai visto smalti a bassa temperatura così variegati come i miei (modestamente). Perciò fino all'arrivo del tanto agognato fotovoltaico e delle nuove resistenze, credo che insisterò su questa strada, anche perché, alla faccia di Ceramic Arts Daily, L'AVEVO DETTO PRIMA IO!!!!!!!!!

Non solo una questione di forma

2008-05-14T18:31:00.004+02:00

Buffo come ci si eserciti per anni ad addomesticare il tornio, centrare palle di argilla lottando contro la forza centrifuga per ottenere forme regolari e poi, improvvisamente, si incominci a sentire la necessità di modificarle, ovalizzarle, renderle irregolari. Avevo visto le mini teiere di Phong Choo su Pottery Making e poi sono incappata nei suoi video su you tube. E’ incredibile quanto si possa imparare guardando questi filmatini, e in questi l’artista è particolarmente generoso. Rivela trucchi e piccoli segreti del suo gioco con la porcellana. Per esempio, usa barbottina e pasta di carta (paperclay liquida) per incollare i pezzi, e secondo lui l’adesione è molto migliorata. Lo vedremo all’uscita dal forno dei miei pezzi in terra rossa, piccole teiere o salsiere che siano. Per ora è estremamente interessante lavorare in piccolo ragionando sui dettagli più minuti, l’aggiunta di una base, eventuali piedini, texture sul manico e manici nuovi, non necessariamente tirati né convenzionali. Nella foto un esempio.

Ancora smalti a bassa temperatura

2008-05-02T18:51:00.008+02:00

Lasciato in sospeso il raku, che la bella stagione non mancherà di chiamare in causa tra qualche settimana, ho deciso di accantonare momentaneamente la ricerca sugli smalti da gres. Ho grandi idee in questo settore, ma le resistenze del mio forno per il momento mi consigliano di usare temperature meno impegnative. Quando il forno deciderà che le resistenze sono definitivamente da sostituire riprenderemo l'argomento. Per ora mi concentro sulle possibilità della terra da maiolica perché tutto sommato mi ci trovo bene al tornio, i costi sono più contenuti e ci si può fare le ossa senza troppi complessi di colpa. Il problema è che gli smalti da bassa temperatura sono più difficili e danno meno soddisfazione. Infatti ho passato l'ultimo mese a inseguire un piccolo spiraglio. Ho provato formulazioni con fritte alcaline e colemanite - non uso mai piombo, litio, cadmio e selenio per mia scelta - e i risultati sono stati quasi sempre deludenti. Alle basse temperature il colore è semplice, ciò che non è semplice è avere uno smalto che non sia banale, abbia qualche accenno di texture e sia adatto alla ceramica d'uso. Quindi rileggendo alcuni dei miei maestri ho deciso di tentare la via delle sovrapposizioni. Ho ricacciato giù l'orgoglio e ho riesumato tutti gli smalti comprati pronti che avevo per vedere come interagiscono quando si sovrappongono, e pare che questa sia la strada giusta. Ho prodotto alcuni smalti pastello per l'interno degli oggetti e poi ci ho colato, spruzzato e schizzato altri smalti. In alcuni casi il manganese ha dato in escandescenze e ho docuti levigare bolle e reinfornare, ma la buona notizia è che HO TROVATO UNA STRADA NON BANALE PER LA BASSA TEMPERATURA!!!!! Alcuni risultati sono decisamente stupefacenti, i colori interagiscono con varietà paragonabile all'alta temperatura e le forme vengono sottolineate. Devo ancora esplorare altre soluzioni e sopratutto migliorare l'interno degli oggetti, ma questa è già una buona notizia. I risultati sono visibili nel mio fotostream all'indirizzo www.flickr.com/photos/silviadecet. A luglio probabilmente inizierò la produzione di smalti da gres perché si verificheranno due fatti epocali: avrò un impianto fotovoltaico e finalmente cambierò le resistenze al mio forno!!!!! Per ora però continuo la ricerca sulle terre rosse da maiolica, umili, duttili terre italiche.

l'annoso problema delle superfici

2008-04-30T12:09:00.001+02:00

Sto studiando fisso da mesi. Formulazione di smalti, calcolo di Seger, teorie e controteorie. Il problema è che noi ceramisti alla periferia del mondo (e l'Italia in tema di ceramica - piastrelle a parte - è la periferia della periferia) siamo costretti a crescere per approssimazioni successive, senza una guida che appartenga a questo secolo. Per fortuna conosco bene l'inglese e questo mi da la possibilità di attingere direttamente alle fonti inglesi, americane e australiane. Risultato: Mi sto facendo le ossa nella tecnica degli smalti sotto la guida di maestri eccellenti, Robin Hopper, Ian Currie, John Hasselberg, Ron Roy. L'unico problema è che la pratica, si sa, si discosta sempre dalla teoria. Per la pratica, vediamo le prossime puntate.

Non voglio dire niente, voglio solo esplorare le possibilità

2008-04-30T10:52:00.000+02:00

La tecnica raku, antica pratica giapponese legata alla cerimonia del tè, è il punto di partenza delle variazioni attorno al tema del fuoco e del fumo dell’arte ceramica dei nostri tempi. Reinterpretata per le sue qualità - l'imprevedibilità degli effetti metallici, i forti contrasti, l'immediatezza - oltre che per le suggestioni e le possibilità di sperimentazione, la tecnica raku è per me un'inesauribile fonte di stupore.
I giochi del fumo e del fuoco sulla superficie ceramica, la giostra del tornio e i colori delle terre sono le variabili della mia ricerca. Le forme tornite e modificate oppure costruite a lastra trovano completamento nei riflessi degli ossidi, nelle luci e nelle ombre. Altre volte l'argilla passa in secondo piano per diventare il supporto dei colori e dei lustri. L'ambito è infinito e l'esplorazione non ha confini. I risultati sono sempre sorprendenti. All’estro creativo personale si somma l’imprevedibile variabile del fuoco, che a sigillo dell’opera non manca mai di dare la propria indomabile impronta. Per vedere qualche esempio commentato visitate www.flickr.com/silviadecet.

Di cosa si tratta

2008-04-30T10:00:00.000+02:00

Questo è un taccuino per ceramisti. Qui rendo conto dei progressi e degli inconvenienti di un artigiano in erba. Uno spazio per le mie esplorazioni nell'ambito della ceramica: bassa temperatura, gres, raku. Un modo come un altro per combattere la claustrofobia di un ceramista italiano, anzi del nordest, anzi delle montagne bellunesi!